LA TRAMPA....

La Trampa es una banda de rock uruguaya que se formó en Montevideo, Uruguay aproximadamente en 1991. Una historia llena de Trampa Por H.T. La Trampa se ha convertido en una de las principales bandas del rock uruguayo de los últimos tiempos. Éste no fue un proceso que se dio de la noche a la mañana: es el resultado de largos años de mucho trabajo en los que han peleado, con honestidad, por un lugar que merecidamente se ganaron.

El caldo de cultivo, que le permitió ver la luz, hace ya casi quince años, fueron las conversaciones entre Garo Arakelián y Sergio Schellemberg en las horas puente de la Facultad de Arquitectura, durante el invierno de 1990.

Inicialmente, la banda estaba totalmente integrada por estudiantes de aquella institución. Además de Garo, encargado de la guitarra, y Sergio, de los teclados; estaban Martín Rosas en voz, Nicolás Rodríguez en batería y Gabriel Francia, quien se ocupaba del bajo. Algunos de ellos ya se conocían de antes: Garo, Nicolás y Gabriel, habían cursado juntos el último año de liceo en 1985.

Luego de un año de trabajo (con Garo y Sergio componiendo y toda la banda ensayando) La Trampa realizó su primera actuación el 3 de mayo de 1991, cuando se presentó en el teatro “El Tinglado” junto a Cadáveres Ilustres . Aquel recital duró aproximadamente una hora. La Trampa fue el primer grupo en tocar y, entre otras canciones, interpretaron Vals, Arma de doble filo y Madre de flores . Aunque ya manejaban entre ellos el nombre que llevarían, ésta es la fecha que se recuerda como el inicio de La Trampa, que, en aquel entonces, tenía como manager a Aldo Silva.

Una de las metas que La Trampa se ha marcado desde el inicio, es la de lograr una identidad uruguaya en lo que hace: “Nosotros nos habíamos planteado tener un sonido que fuera súper-reconocible, bien uruguayo, que tuviera una cuota de música ciudadana, con elementos folclóricos… El sonido era algo fundamental. Y por otro lado unos textos que generaran como una cosmogonía “nuestra”, no recurrir al mundo gótico londinense u otros referentes. Un mundo “nuestro”, con su cuota de fantasía y su cuota aprendida de las vivencias. Ésa era básicamente la intención”, comentaba hace no mucho tiempo, Garo. Agregaba luego que “Desde el comienzo, La Trampa lo que quiso fue no eludir el referente de ser uruguayos (...) y asumirlo con valor y sin vergüenza(…), como una cosa que es sobrada para generar un buen producto artístico. O sea, el individuo, o el grupo de individuos en una relación con un entorno o con su tierra, son suficientes para generar un buen producto artístico, más allá de las referencias universales que sería una tontería negarlas. Ése fue el comienzo de la banda. El mirar hacia adentro en lo estilístico, tanto en música como en letra, y reverenciarlo a un individuo criollo”

Otra de las cosas que hay que tener en cuenta a la hora de intentar definir a La Trampa, la explicaba también Garo, de la siguiente manera: “Nosotros hemos tenido siempre la certeza de que lo que tenemos es una banda de rock. Y hemos tratado como de superar dos interpretaciones que siempre nos han bombardeado: por un lado la de los propios roqueros, con una formación y un contenido ortogonal y por otro lado los legendarios contrincantes del rock, poniéndolo en un lugar único, derivado del imperio, etc., con un discurso en cierta medida (hoy en día) anquilosado, vetusto. Y nosotros lo que nos hemos propuesto es simplemente tocar los instrumentos que sabemos tocar y hacer la música que sabemos tocar, y teniendo la certeza de que realmente somos recontra uruguayos (...) y hemos transitado algunos estilos que se tocan de costado con el rock, pero que logran una fusión en el lenguaje”.

En agosto de 1991, grabaron un demo para difusión registrado en los estudios de La Batuta . El mismo incluía cuatro canciones: "Arma de doble filo" (una versión roquera del tema del compositor Gastón Ciarlo, “Dino”), "Vals" (que incluirían en su segundo disco), "Besos y silencios", (que luego formaría parte del TOCA Y OBLIGA) y "Madre de flores" (una canción que nunca llegó a ser editada). De este modo, comenzaron a emitirse en las radios locales, algunos de los temas que venían ensayando, en una época poco interesada por un rock que había perdido la convocatoria alcanzada en la movida de los ochenta. Incluso llegaron a ser pasados por la MTV con el videoclip que habían hecho de "Vals".

Al poco tiempo, Nicolás Rodríguez abandonó la banda, ingresando en su lugar el “Chino”, Daniel González, quien se hizo cargo, en los años siguientes, de la batería de La Trampa.

En 1992 la banda se comenzó a vincular con el cantautor uruguayo Eduardo Darnauchans. Este acercamiento confluyó en una presentación de ambos en la Sala Verdi de Montevideo, aunque no fue la única vez que La Trampa actuó con el “Darno”.

1993 trajo nuevos cambios en la integración. Martín Rosas dejó el grupo e ingresó en su lugar Alejandro Spuntone, actual cantante de La Trampa.

A los pocos ensayos de Alejandro, Gabriel Francia anunció que se iba del conjunto. Era necesario conseguir un sustituto. Fue así que Sergio Schellemberg se comunicó con Carlos Ráfols, ex bajista de ADN, para que ocupara el puesto vacante. Schellemberg ya lo había invitado a participar cuando surgió el proyecto, pero aquél no se había sentido seducido por la propuesta. En esta segunda instancia, y con una mayor insistencia del tecladista, Ráfols se integró a la banda.

La nueva formación de La Trampa realizó su primera presentación en el interior de la Facultad de Arquitectura, el viernes 14 de mayo de 1993, junto al Cuarteto de Nos.

En mayo del 94, luego de tres años de conciertos y trabajo grupal, la banda se instaló en las salas de Estudio Records para registrar su primera producción discográfica: TOCA Y OBLIGA. El disco fue editado en enero de 1995, a través del sello Orfeo. Tras vender más de mil placas, el material se agotó. Esto hizo que, durante buen tiempo, fuera muy difícil conseguirlo. Afortunadamente, hace no mucho, fue reeditado por Bizarro Records, en conjunto con EMI Music, empresa internacional que posee los derechos del catálogo Orfeo.

Garo recordaría, hablando justamente de TOCA Y OBLIGA: “estuvimos tres años para grabarlo… como invirtiendo el camino que está de moda hoy que es primero tener un disco, que alguien te banque todos tus caprichos, que alguien reconozca que sos un gran artista grabándote un disco, y después recién te empezás a vincular con el público, a aprender a sonar en un escenario, aprender a sufrir cargando los equipos… todas esas cosas que uno tiene que aprenderlas en carne propia… fue un disco que la banda estuvo tocando casi tres años, fuimos a hablar con Orfeo -que en esa época estaba todavía Alfonso Carbone- y la verdad que nos dio terrible mano… Fue, sino el primero, uno de los primeros discos editados en CD…que fue un momento muy significativo del rock uruguayo porque terminaba toda una generación (…) fue el disco quizás más producido por nosotros y es un disco que nos encanta ”. “En ese disco se intentó acercarse a la música ciudadana ”, agregaba. “Estaba mucho más cerca en todo su recorrido tanto musical como de los textos a la milonga: en las estructuras de los versos, en el fraseo de la voz… y si bien había un aire tanguero, con toda esa seducción que tiene el bandoneón, en algunos quiebres o melismas de la voz, lo más potente, el recurso, era tomado de la milonga ”.

Los temas que forman parte de TOCA Y OBLIGA, ya llevaban largo tiempo en el repertorio de La Trampa. Alejandro Spuntone y Carlos Ráfols tuvieron que acompasarse al trabajo que anteriormente se había realizado: “El TOCA Y OBLIGA [decía Alejandro] era un disco que ya tenía un montón de años en que ellos venían tocando las canciones. Salvo dos, [ "Nada pasa y todo queda" y "Aunque lloren los muchachos" ] todos los demás temas ya estaban hechos. Lo único que tuvimos que hacer -Carlitos y yo-, fue adaptarnos nosotros a esas canciones y algunas cositas que se hayan cambiado. Pero básicamente ya estaba elaborado el disco ”.

Durante ese año, TOCA Y OBLIGA recibió excelentes críticas en diversas publicaciones y principalmente en las radios, donde comenzaron a difundirse con algo más de insistencia. La canción "Dulces tormentos" , además, fue incluida en el disco LO MEJOR DEL ROCK URUGUAYO, editado por el sello Monitor, junto a las principales bandas del medio.

También en el 95, el “Chino” González se alejó de la banda. En su lugar estuvo, algo más de un año, el “Pichu”, Javier Villanustre, cuyo debut en La Trampa fue el 1º de junio en “La noche”.
Con él, llegaron a grabar, en 1996, el tema En la noche , incluido en el CD EXTRAÑAS VISIONES, un supuesto homenaje a Los Estómagos . De esta canción, realizaron el videoclip, producido por la propia banda.

“El disco de Los Estómagos, fue un disco que en realidad fuimos persuadidos para participar de una cosa que supuestamente iba a gozar de un nivel ético mínimo, y supuestamente tener el apoyo de las personas que se les estaba rindiendo el reconocimiento... Y la verdad que fue una farsa: responsabilidad de los productores de ese disco, no de la gente que intervino. La gente que intervino hizo cada uno lo que mejor pudo hacer o quiso hacer, algunos con mucho respeto, otros con mucha soberbia ”, recordaba Garo al respecto.

En invierno, dejaron de lado las presentaciones en vivo, para dedicarle tiempo a la parte creativa, definiendo lo que serían las nuevas canciones de la banda, imprimiendo nuevos matices en su música y enfocando otras temáticas en sus textos, con respecto a lo que había sido su anterior experiencia.

En diciembre empezarían a grabar CALAVERAS, su segundo disco. Estaba todo listo, pero faltaba un pequeñísimo detalle, casi imperceptible: no tenían baterista. Hacía algún tiempo el “Pichu” Villanustre también había decidido colgar los palillos y La Trampa se encontraba de cara a la grabación de un nuevo CD sin nadie que se encargara de la parte rítmica. En aquel entonces, estaban ensayando en Elepé , la sala de Álvaro Pintos, el baterista de El Cuarteto de Nos y el primero que tuvo La Tabaré Riverock Banda. Casi como un favor, le pidieron que en una semana se aprendiera los temas para grabarlos, y así, la formación de la banda se mantuvo, por varios años, constituida por: Garo Arakelián en guitarra, Sergio Schellemberg en teclados, Alejandro Spuntone en voz, Carlos Ráfols en bajo y Álvaro Pintos en batería.

Pintos recordaría: “La Trampa ensayaba en la sala (…) que tengo yo y los conocía de mucho tiempo atrás. Me dijeron ‘mirá, en una semana tenemos que grabar un disco y no tenemos batero' (…) y así arranqué haciendo de apuro todos los arreglos para CALAVERAS y salió con papeles pegados por todos lados (…). Me dieron como diez discos de todo… ‘más o menos ésta es la onda' (…). Chacareras me daban, tango (…), incluso recuerdo que en la ventana del estudio donde estaba grabando, para que no olvidara quién me tenía que referenciar tal tema, me colgaban disquitos, aparte de las partituras ”.

Así fue como ingresó “Alvin, el batero” en La Trampa: “En realidad fue como una emergencia que tenían (…) y después me entró el bichito de La Trampa de a poquito y fui quedando, fui quedando y desde el 97 estoy ahí… ”, decía.

Sobre el trabajo para CALAVERAS, Garo decía: “Nosotros estábamos convencidos de que era el camino que queríamos, que no podíamos depender más de una banda que sonara de una determinada manera en un disco y que eso fuera imposible de reproducir después en un recital, en vivo. Por ejemplo, la presencia de un bandoneón acá en Uruguay era una cosa inconcebible y ese fue uno de los factores determinantes para que nosotros no tuviéramos autonomía”. Y respecto al lenguaje usado en este disco, acotaba que “El lenguaje que tenemos nosotros no es corto. Las palabras que usamos son muy reducidas. El lenguaje del rock es una cosa muy reducida, donde se utilizan palabras que supuestamente quieren decir “algo”. Hoy en día en el rock, en el pop, en las canciones del género melódico internacional hay palabras que no quieren decir nada, donde solamente cierran los patrones de los versos y que además para la suerte de algunos, rima. De todas formas, por ejemplo, cuando vos decís “sangre”, más allá de la sangre del corte, tiene detrás toda una simbología que para los griegos fue otra, para los sumerios fue otra, para los indios arachanes otra y me parece que la insistencia en eso tiene que ver mucho con tus antecedentes, con tus ancestros… tenés sangre de, o tenés menos sangre que… creo que la palabra dice mucho más que la “sangre” del dolor o de la herida, depende como esté en el verso…pero en realidad lo que había en ese disco era muchísima bronca… muchísima bronca y me parece que todos los tópicos que hay ahí dando vueltas o la intención de definir alguna idea, están disparados a partir de una bronca que más valía la pena sacársela antes que te consumiera el estómago ”.

1997 fue un año de hechos significativos para La Trampa: participó en el Rock de Acá en el “Teatro de Verano” ante cinco mil personas que corearon gran parte de sus canciones, siendo luego catalogada como una de las mejores bandas del show, tanto por el público como por la prensa que asistió al evento. Sobre este hecho Alejandro Spuntone se expresaba así: “Creo que fue el toque más sorprendente de respuesta del público. Fue un recital en que tocamos segundos. Si bien había gente que nos conocía por TOCA Y OBLIGA, tocamos muchos temas de CALAVERAS que ni siquiera estaba en la calle y tuvo una repercusión bárbara, y creo que a partir de ahí mucha gente conoció a la banda y empezamos a tener mayor lugar en los medios; se nos empezó a tener más en cuenta y dejamos de ser la banda ‘de culto' que se nos consideraba hasta ese tiempo. Fue un muy lindo año, además después salió CALAVERAS, se empezó a vender muy bien… Fue un muy buen año”.

En octubre, el grupo editó CALAVERAS (en coproducción con el sello Ayuí ), disco que agotó su primera edición en tan sólo un mes. La presentación del mismo se realizó el 18 de octubre en “La Factoría”, el lugar cerrado más importante de Montevideo hasta hace no mucho tiempo. La sala colmada de público confirmó la creciente convocatoria que la banda seguía obteniendo.

Alejandro agregaba, también hablando de este disco, que “Lo bueno que tiene CALAVERAS es (…) que tiene una frescura brutal: desde el toque de batería hasta lo que hicimos nosotros mismos. Fue un disco muy visceral, muy de adentro. O sea, no tuvo un proceso de elaboración como el TOCA Y OBLIGA que era un disco de años, trabajado. Esto fue mucho más enérgico, y creo que en el momento mismo, el disco tenía mucha rabia contra muchas cosas. Lo que más rescato, además de que tiene muy buenas canciones, es que tiene una energía brutal. Yo lo pongo hoy y hay veces que me eriza de volver a ponerme en la situación de cuando canté esa canción o cuando escuché a Garo tocando la viola… ”
En CALAVERAS el acompañamiento dejó de estar a cargo del bandoneón. En esta ocasión, las canciones más ligadas al acervo folclórico (como "Yo sé quién soy" y "Las cruces del corazón" ) contaban con el soporte que les brindaba el bombo legüero, acompañando a la batería. De todos modos las influencias del tango y la milonga, se mantuvieron en el estilo de la banda en composiciones como "Los Patios del Alma" y "Los días de Milagro" . Pero fue Mar de Fondo el tema con mayor difusión y aceptación espontánea por la prensa y público.

Carlos Ráfols marca otra de las diferencias existentes entre los dos trabajos: “De pique es un disco que está hecho con los arreglos que nosotros hicimos. En el caso del TOCA Y OBLIGA, cuando entramos Ale y yo, por más que podían haber variado algunas cosas, los temas estaban arreglados y compuestos para los tipos que estaban tocando antes. Nosotros entramos, aprendimos los temas y chau. En el CALAVERAS, no. En realidad es el primer disco en que nosotros tuvimos participación activa en el proceso de creación ”.

CALAVERAS fue elegido por la audiencia de X FM, y por la mayoría del staff de la radio, como el mejor disco nacional de 1997 (año en el que se editaron, entre otros, los discos SANGRANDO de Chopper y YOGANARQUÍA de La Tabaré Riverock Banda). De esta manera La Trampa seguía creciendo, ganándose su lugar...

En 1998, la banda continuó presentándose en el medio, participando en grandes espectáculos como Rock en ROU en el “Teatro de Verano”, el 28 de marzo y Rock de Acá II , también en el “Ramón Collazo”, el 19 de abril. Se presentó además, tres veces en “ La Factoría ” (en junio y setiembre) tocando sola o acompañada, entre otros de Traidores, Chopper y El Peyote Asesino.

El 13 de diciembre, cerró las actuaciones del año en el lago del Parque Rodó, junto a Traidores, La Tabaré, Pólvora en Chimangos, Hereford y Plátano Macho en lo que fue la Comunafiesta , en apoyo a la radio comunitaria Babilonia FM.

En 1999 se dedicaron a la composición y grabación de su tercer disco: RESURRECCIÓN. El mismo fue registrado en los estudios "Del abasto al pasto" de Buenos Aires y se editó a través del sello Koala Records . “Fue un disco muy raro, [expresaba Alejandro Spuntone] lo grabamos en Buenos Aires. Fue toda una experiencia también para nosotros irnos quince días a instalarnos en un estudio. Tuvimos un proceso de producción complicado, apurado (…). Igual fue una experiencia increíble y es un disco que yo creo que también marca un poco el pasaje de CALAVERAS a CAÍDA LIBRE”. A esto, Álvaro Pintos agregaba que “fue un disco muy ensayado porque había que viajar a Buenos Aires y teníamos determinada cantidad de horas (…) no podíamos tener errores allá. Yo pienso que fue el disco más ensayado de la historia de La Trampa , y con temas más largos… era complicado”. Justamente sobre la extensión de las canciones, Alejandro acotaba: “ nos gustaban mucho arreglos y en lugar de seleccionar alguno los fuimos metiendo todos. Es uno de los discos que está mejor arreglado, creo (…). Lo que pasa es que después te generaba el hecho de que de repente no se difundían mucho porque eran temas largos. Pero es un muy buen disco; yo lo escucho hoy por hoy, y es un disco que me encanta”.

En RESURRECCIÓN, La Trampa, toma un sonido más fuerte, abocándose a tramas vinculadas al ser humano y a este mundo en el cual le ha tocado vivir.

“Ese disco, [decía Garo Arakelián] que si bien es el último que hicimos juntos, fue un ejercicio bien claro de que todas las creencias mías y las creencias de Sergio -con el que realmente compartíamos muchísimo pero con el que teníamos orientaciones muy diferentes- podían generar un producto artístico con una unidad… Sí, ese disco está plagado de todo el tema del aniversario de la Declaración de los Derechos Universales y (…) del 2000 como el cierre de un ciclo y la promesa de resurrección, de empezar de nuevo… con todo lo que hubo, desde los manuscritos de Nostradamus o lo que fuera. Todo el tema de que iba a haber un final y un comienzo… Así como cada año hay un equinoccio y un solsticio (…) El siglo XXI tenía toda esa promesa que uno vio desde la infancia, cuando veía las películas de ciencia ficción, leía algún librito o alguien le contaba de que iba a ser todo diferente... y bueno, uno creció, se hizo un hombre y no hay nada diferente: es todo lo mismo, peor. Y ahí empezamos a hablar en forma mucho más profunda sobre el individuo, sobre cuál es el papel del individuo, sobre cuáles son las posibilidades: nos volvemos maricones y disfrutamos de la noche… u otra actitud (...). Incluso desde el punto de vista artístico: ¿qué querés ser? ¿un artista que responda a un modelo norteamericano? ¿o querés ser un artista que haga un ejercicio de su identidad? ”.

La idea cristiana de la resurrección (que forma parte de la sociedad en la que vivimos, más allá de valoraciones personales sobre dicha religión) está presente en muchos pasajes de este disco: “ para el mundo cristiano por lo menos funcionó como la confirmación de que el dolor genera un camino que es el camino acertado; me parece que ésa era la idea más fuerte. Es la idea de la canción, ¿verdad? El nombre del disco lo adquiere de la canción. ”

RESURRECCIÓN responde a una situación concreta, un escenario mundial caracterizado por el individualismo exacerbado propio de estos tiempos posmodernos, que va llevando al ser humano a perder de vista el concepto de comunidad, y a recordar a “los otros” sólo en función del espectáculo del sensacionalismo. Garo hablaba también de esto mientras reflexionaba sobre los contenidos del disco: “Uno prende el televisor y tiene una imagen con la cual ya no tiene un vínculo afectivo. La guerra, el hambre, la desgracia que está pasando en otro lado, uno la tiene en el living de su casa, o con menos suerte en el dormitorio. Me parece que eso influye sobre el acostumbrarse a que esas imágenes pueden entrar en la casa de uno, cenando mientras uno ve como vuelan los petardos de los aliados en Irak, sabiendo que cada vez que cae uno de esos se están muriendo gurises… o el ataque a tal cosa de los palestinos, y ves un cajón todo ensangrentado y a la gente gritando… y lo ves mientras estás comiendo milanesa con puré, eso es patético. Que uno no se irrite con eso, que pueda seguir comiendo, es lamentable”.

Indudablemente, RESURRECCIÓN es muy diferente a CALAVERAS, un disco que había alcanzado una difusión muy grande y había logrado ubicar a la banda en un lugar de privilegio dentro del rock nacional. En una entrevista, Garo hablaba de este cambio de un trabajo al otro: “ Capaz que el principal problema es que si uno llega a encontrar la formula del éxito - supuestamente, por (...) la difusión-, creo que el principal problema que podríamos haber tenido sería subirnos a una clave. Creo que lo que intentamos fue hacer lo que había que hacer. Me refiero a que si hacés un tema que habla de ciertas cosas y lo decís de cierta manera y funciona, si volvés a hablar de lo mismo y lo decís de la misma manera, probablemente sea una subida artificial. Quizás con una dosis de sinceridad discutible y bueno... que es una cosa que pasa en cualquier género musical: en el canto popular en la década de los ochentas -por lo menos una parte del canto popular-, cuando se hablaba del negro en el conventillo o van por Ansina, fue una cosa repetida (...). Nosotros lo que intentamos fue no subirnos a una fórmula que funcionó, que había sido la inmediatamente anterior. (...) Es cierto que [RESURRECCIÓN] no logró superar en difusión lo mismo que hizo el CALAVERAS, pero nos dio la base de estar tranquilos. No somos para nosotros mismos un fraude; creo que ninguno de nosotros se mira al otro diciendo: ‘puta, pensar que yo te dije'” .

RESURRECCIÓN fue presentado en “La Factoría” a sala llena, cuando la banda festejaba sus ocho años de vida. El espectáculo contó con el apoyo de la Amnistía Internacional Uruguay, ya que en el interior del arte gráfico del disco, se incluyeron los artículos de la Declaratoria Universal de los Derechos Humanos en su cincuenta aniversario. Presentaron además, el videoclip de Maldición, el corte de difusión del nuevo trabajo.

El 2000 fue muy movido para La Trampa en cuanto a toques: se presentó durante todo el año en diversos puntos del país y participó dos festivales en el “Teatro de Verano”: uno en marzo junto a No te va gustar, Sórdromo y La Renga, y en el Octubre Rock , con Amables donantes, Porreta y Attaque 77.

Siguieron con las presentaciones en el 2001 con diversas actuaciones en Montevideo, destacándose el ciclo de tres recitales "Entre bombas y jazmines" en el pub Amarcord , los jueves 1º, 8 y 15 de noviembre. Allí, por primera vez se realizaron en vivo algunas canciones en formato acústico.

También participó en el festival El Aguante en el “Ramón Collazo” con Kato, Los Tontos, La Chancha, No te va gustar, Trotsky Vengarán, Snake y El otro yo.

Otro hecho de ese año fue la partida de uno de los fundadores de La Trampa. Sergio Schellemberg, el 20 de agosto (justo un año antes de la salida del nuevo disco), abandonó la banda. Garo recordaría que “ No estuvo bueno. No estuvo bueno que se fuera a pesar de que no hubo ningún problema, todo lo contrario, se fue él por su propia voluntad nomás. Pero…yo lo tomé como la pérdida del compañero de composición, del compañero de desgaste de energía orientada hacia un mismo lugar, de intercambio de ideas, la pelea constructiva… más que nada eso. ”

Con este último cambio, La Trampa dejó de lado uno de los instrumentos que la acompañaba desde su nacimiento. Los teclados, entonces, debieron ser sustituidos por un trabajo más marcado en los coros de los temas… había que reformularse algunas cosas, sin que se perdiera la esencia que la propuesta del grupo planteaba: “ para la banda fue un golpe [reconoce Alejandro]. Fue un golpe para Garo también, desde el punto de vista de que su compañero de composición, con el cual (…) compartía la responsabilidad o la función de composición, no estaba. O sea, que tenía que afrontar el reto de componer solo. Si bien nosotros íbamos a tener mayor participación en las canciones, creo que el tipo tuvo que replantearse el hecho de (…) seguir con la banda adelante, que era la idea que teníamos nosotros. En el momento que Sergio se fue, nos pusimos a conversar: ‘¿y qué hacemos?'… Bueno, la decisión fue seguir con la banda como cuarteto; ni siquiera se nos pasó por la cabeza el hecho de que viniera otro tecladista, o de traer a otro músico. Dijimos: ‘ La Trampa es esto que está ahora y vamos a laburarlo'. Estuvo buenísimo porque creo que le dimos más importancia a la parte de las guitarras, que están mucho más presentes, (…) la base de bajo y batería pasó a ser primordial para sostener la guitarra, (…) el trabajo de las voces, (…) arreglar coros, de charlar mucho con Garo. Garo participa más en el hecho de los coros para darle otro timbre diferente”.
Así, con una nueva estrategia de trabajo, La Trampa empezó a preparar nuevo material para su siguiente disco: CAÍDA LIBRE, editado en el 2002, nuevamente por Koala Records.

“Fue un disco que la verdad nos salió bien de bien, estábamos re contentos con lo que habíamos hecho y fue un disco mucho más trabajado como banda. Más allá de que Garo es el compositor de temas, lo trabajamos mucho más como banda: Garo tuvo mucho contacto con Carlitos mandándose cosas por la dichosa Internet de un lado para el otro, secuenciando cosas… fue un lindo laburo ”, sentenciaba Ale.

En este nuevo trabajo, La Trampa presentó once canciones de autoría propia y una versión del tema Muere con la sonrisa , de Eduardo Nieves (integrante del legendario grupo de canto popular de los ochenta, Pareceres). Todos los temas, están unidos por un eje conceptual, explicado por el propio compositor: “ El disco tiene un hilo conductor en lo temático, del que se desprende de una forma más libre los temas que pasan por el individuo como protagonista, como responsable de generar un cambio, responsable de tener una libertad que no es la libertad que se decreta sino la libertad que uno tiene.. Filosofía primaria que no vale la pena ni hablar... y la certeza de que más allá de cantidad de cosas de las que nos van privando, algunas materiales y otras intelectuales, como que es una sociedad que más que nada va privando de cosas al individuo, el cual pasa a ser un medio y no un fin de la sociedad. Más allá de las elecciones, la sociedad no está armada para que el individuo sea favorecido física, intelectual y ‘etcéteramente'. El individuo es un pequeño engranaje que va a ser exprimido de la forma que le toque en la vida, como haya nacido, pero el tema de las ideas y los sueños, como visión no utópica de esas ideas, y defenderlas más allá de la realidad que a veces parece haber llegado a su cuota inferior, son meros valores que individualmente y con la banda apostamos. No puede ser que todo esté perdido. Lo habrán dicho otros en la era del setenta que no hay futuro... bueno, allá con los ingleses que toman el té a las cinco, nosotros no nos podemos dar el lujo de pensar que todo está perdido, entonces el tema de los sueños se valoriza en ese sentido. Si bien los sueños es una cosa ingenua, porque a veces uno ve la gente pasar cuando termina la facultad y deja todo aquello de medir las ilusiones para pasar a integrar el mundo real, no en vano es la adolescencia la que más potencialmente puede generar cambios. El no medir muchas cosas. No pasar la línea del más y el menos. Lo idílico como posibilidad y uno creo que puede vivir con eso durante toda su vida”.

CAÍDA LIBRE muestra a una banda mucho más compacta. Este buen momento se ve potenciado, además, por la creciente aceptación que el rock nacional consigue en una sociedad cada vez más ávida de reconocerse en los artistas de este género. La Trampa, al igual que otros conjuntos, comienza a tener difusión en medios donde antes hubiera sido inconcebible escucharla.

Podría decirse que se trata de una etapa de consolidación de la banda, aunque, como alega Garo: “en realidad la palabra “consolidación” es medio jodida porque si uno está consolidado entonces ¿qué le espera? Creo que hicimos algunas cosas mejor, resolvimos algunas ideas de una forma más cerrada, muchas cosas… Me parece que los discos cuando se generan en un momento que es germinal, que uno está atormentado en el buen sentido de la palabra, sale un disco que, si bien no es conceptual como los discos de Pink Floyd, está regido por ideas, y bueno creo que fue este un ejemplo… Es también una continuación de (…) RESURRECCIÓN, el hombre, el individuo enfrentados a todo lo que hay por delante, a ese abismo promisorio o destructivo que es el futuro… la responsabilidad que tiene uno solamente por el hecho de estar vivo, la suerte que tiene uno y las desgracias que tiene uno…¿dónde ponerlas? ¿dónde poner el amor? ¿dónde poner el odio? ¿dónde no ser un niño caprichoso? ¿dónde tener la sensibilidad de un niño? ¿dónde ser mujer? ¿dónde ser hombre? ¿dónde ser unidireccional y dónde poder ser dual ? ”.

Durante la segunda mitad del año, volvieron a presentarse en diferentes puntos del país. En la capital, se pueden destacar las actuaciones realizadas en “La Factoría”, en el “Teatro de Verano” (donde tocaron junto a Hereford, Traidores y Las Pelotas de Argentina en el festejo de los 12 años de La Factoría ), y la presentación en la Sala Zitarrosa , en el ciclo de la X en vivo.

Con respecto a los espectáculos de la banda, Garo marcó en una ocasión: “ la intención siempre es tener un show en que a la gente, de alguna forma, sienta que se le está metiendo una información sensible... no solamente se está escuchando guitarras o alguien cantando, sino una información sensible... Como una especie de alimento en las letras y en la música... Y cuando hablamos con la gente del público, o recibimos mails, ésa es la sensación que nos queda... Hay una retroalimentación. Eso que nosotros queremos dar (que también lo damos por nosotros mismos), es lo que queremos hacer... y de cierta forma funciona… ”

Esta “retroalimentación” de la que Garo habla, está plasmada en otro gran desafío que se propuso realizar la banda: grabar un disco en vivo. Para ello realizaron dos espectáculos, a sala llena, en el teatro de “Talleres Don Bosco”, los días 12 y 13 de setiembre de 2003. En aquellas ocasiones contaron con dos invitados especiales: Mónica Navarro (vocalista de La Tabaré) que los acompañó en "El oro y la maldad" , y Alejandro Ferradás (solista y guitarrista de Eduardo Darnauchans) que participó en las versiones acústicas de "Por verte feliz" y "Dulces tomentos". Además presentaron dos canciones que, hasta ese momento, no formaban parte del repertorio tramposo: "De nosotros dos" de Eduardo Mateo, y "De despedida" del “Darno”. De los veintiséis temas interpretados, dieciocho fueron los que entraron en el disco que llevó el mismo nombre del espectáculo: FRENTE A FRENTE. El material salió a la venta a fines de diciembre, editado por Koala Records .

En un artículo, referente al material de otra banda nacional, decían que grabar un disco en vivo no es para cualquiera. Y es cierto. Es necesario tener un trabajo atrás que sea lo suficientemente extenso y aceptado como para llevarlo a una grabación en público: “Grabar un disco en vivo, más allá de los recursos técnicos, y cantidad de cosas que se enumeran, (...) lo más importante es tener a un público para grabar un disco en vivo, porque sino la opción de grabar en vivo no difiere con la de grabar en estudio”, decía Garo; mientras que Alejandro, por otro lado, añadía: “Yo pienso que después de tantos años de trayectoria, de cuatro discos, queríamos reflejar lo que es un recital de La Trampa , la energía que se forma durante esos toques. Considerábamos que teníamos los temas necesarios (…). Hablamos mucho del tema, si estábamos en el momento, nosotros creíamos que sí; CAÍDA LIBRE fue un disco que marcó mucho a la banda y queríamos reflejar un poco el fruto de años de laburo (...). Lo más importante para nosotros es que todo lo que está grabado en el disco, fue tocado ese día. O sea, no hubo nada, más allá de los temas de sonido y de cosas que se fueron amoldando, que no haya sido tocado en esa sala. Hasta errores que están, están porque salieron así y es algo para mí increíble escuchar los temas y ver la respuesta de la gente, que en el disco es un instrumento más, porque es parte de la banda. Y pienso que la gente se merecía también estar participando junto con nosotros. Fue como llevar el estudio hacia la gente y no hacerlo una cosa tan fría ”.

FRENTE A FRENTE es un disco en el cual La Trampa dejó constancia de lo que sucede en cada toque con sus seguidores: “El público de La Trampa [opina Garo] es quizá una de las cosas que nos hace sentir más orgullosos, más que nuestros propios discos. Porque es un público que constantemente, no se renueva, ha ido creciendo en los últimos años. Nos ha preocupado y asustado en algún momento (...) porque tuvimos miedo de que (...) pasara algo que no era lo que queríamos. Luego las cosas tomaron una dinámica propia y el público de La Trampa es un público que es una ‘esponja de sentimientos': van al corazón de las canciones y siempre nosotros terminamos aprendiendo de lo que ellos mismos nos transmiten, de la importancia que tiene recostarse en las formas sensibles y no quedar dormido con el control remoto frente al televisor. De esos dos modelos de juventud, nosotros nos quedamos con éste. No para que escuchen a La Trampa , sino lo que sea, la gente que opta por un mundo sensible... ”

Luego de grabado el disco, la banda se presentó en la Fiesta Final el 22 de noviembre en las canteras del Parque Rodó ante miles de personas que corearon sus temas al tiempo que consumieron millares de calorías en un pogo descomunal.

Si bien el 2004, tuvo un inicio muy complicado para la banda, los cuatro han sabido salir adelante, más allá de las adversidades, siempre a la orden del día. Después de siete meses sin actuaciones, volvieron al ruedo con seis presentaciones en el interior del país recorriendo Florida, Minas y diversas localidades de Canelones, entre junio y julio.

Continuando con su afán de presentarse en lugares poco usuales para un recital, realizaron un Viaje Astral , comprendido por tres noches a todo rock en el “Teatro Astral” de Montevideo, los días 20, 21 y 22 de agosto.

También participaron en el Rock en Ruedas Máximo de CUTCSA en el “Velódromo Municipal”, donde cerraron la primera de las dos fechas del festival (el 24 de setiembre), ante más de cinco mil personas que nuevamente se congregaron ante el escenario para adherirse al espectáculo que ofreció el conjunto.

En noviembre, la banda fue la encargada de abrir el Pilsen Rock en el "Parque de la Hispanidad" en el departamento de Durazno; el festival que ha alcanzado en estos años los más altos índices de convocatoria de la historia del rock nacional (13 y 14 de noviembre). Quedó allí demostrada, una vez más, la gran aceptación que ha conseguido y sigue consiguiendo La Trampa...

Debido a una gira que realizó en esas fechas El Cuarteto de Nos por los Estados Unidos de Norteamérica, Álvaro Pintos tuvo que ser sustituido, durante un mes, por Irvin Carballo (ex baterista, entre otros, de Buitres, Cursi y Psimio). Fue él quien estuvo presente en el festival cervecero-rocanrrolero y cerró su suplencia en otro punto a destacar de ese año: la participación de la banda en la Teletón (el 4 de diciembre), una jornada solidaria destinada a recaudar fondos para la construcción del Centro de rehabilitación pediátrica de dicha fundación, que busca asistir a todos los niños del país que lo necesiten. En los estudios de Canal 10, presentaron las versiones acústicas de Los sueños y Yo sé quién soy.

Luego siguió con sus recitales en el interior del país y también dijo presente en la capital. El 10 de diciembre realizó su show en "Fabric" ( la “Noche de Riesgo” en la que participó Doberman, la banda ganadora del concurso de bandas nuevas 2004), ante más de dos mil personas, y cerró el año en el boliche "Torero" de Lezica el 17 de diciembre.
2005 ha sido, sin lugar a dudas, el año más movido (y uno de los más “movilizantes”) de La Trampa en lo que va de su historia. Basta repasar, a modo de titular, algunas de las actividades en las que se han embarcado en este año. Pero mejor será repasar punto por punto lo que han hecho en estos meses...

Iniciaron el año con una agenda muy nutrida de toques en varios puntos de Uruguay, entre otros, Río Negro, Salto, Canelones, Maldonado, Paysandú, Treinta y tres y Colonia.

Y no sólo toques trajo el 2005: el número de ventas de FRENTE A FRENTE alcanzó el disco de oro; el primero que consigue la banda en su trayectoria (actualmente, la Cámara Uruguaya del Disco fijó en 2.000 la cantidad de ejemplares que se requieren para obtener dicho reconocimiento).

Este hecho sin lugar a dudas tenía que ser festejado en conjunto con los seguidores, que vaya si tendrían que ver con el mismo. ¿Y qué mejor modo que realizando un gran espectáculo? La idea original de La Trampa había sido hacerlo el sábado 16 de abril, a partir de las 21:00 horas en el "Cine Teatro Plaza", bajo el título de Buena Estrella, nombre sugestivo si los hay. Pero tuvieron que cambiar un poco sus planes ya que, para su sorpresa, a más de una semana del recital, las entradas se habían agotado y mucha era la gente que continuaba demandando un lugar en el tan esperado show. Así tuvieron que agregar, no ya una, sino dos presentaciones (que se efectuaron el 17 y 18) puesto que la segunda agotó localidades en sólo dos días. Carlos recordaría luego: "nosotros hicimos todo un trabajo para hacer uno, (...) porque es algo grande. Como banda te ponés una meta así, de hacer un Cine Plaza para 2500 personas y (...) hay que laburar pila. Ya hacer dos o tres tocar (...) es impresionante".

Durante esos tres días, realizaron un recorrido muy nutrido por buena parte de la amplia producción artística que el grupo ha dado a luz en tantos años de trabajo. A su vez, contaron con presencias más que especiales que los acompañaron en algunos temas: Irvin Carballo estuvo con ellos en Cruz Diablo y Muerte Serena; Gastón Ciarlo, el legendario "Dino" interpretó sus canciones, Arma de Doble Filo y Vientos del Sur: con la cuerda de tambores Negra Luna realizaron el final de Luna de Marzo; y también se subieron al escenario César González, Carlos y Toto Méndez, tres de los guitarristas que acompañaron durante años al referente indudable de la música popular uruguaya: Alfredo Zitarrosa. Con ellos hicieron las versiones acústicas de Dulces Tormentos y Si te vas.

Tres "Plazas" llenos por una banda nacional es un hecho de no todos los días y no hace más que evidenciar que ésta en particular está pasando por su momento más popular , siendo una de las agrupaciones con mayor convocatoria del medio.

Y lejos de quedarse quieta, siguió con sus planes, para nada despreciables. Continuó con varias presentaciones en el interior del país, cerrando temporalmente el recorrido el 30 de julio en la ciudad de Canelones.

Posteriormente La Trampa realizó un pequeño receso de algo más de dos meses (en cuanto a recitales se refiere) para dedicarse de lleno a uno de sus proyectos más esperados: el sexto disco del grupo (el quinto grabado en estudio). Pero ya hablaremos de ello más adelante...

Luego de grabado el material, la banda regresó a la órbita de los recitales, haciendo su primera aparición en la tercera edición del Pilsen Rock (nuevamente en el “Parque de la Hispanidad” de Durazno). En esta ocasión ya no le tocó abrir el festival –que en esta ocasión congregó a más de 100.000 personas– sino que fue, junto con No te va Gustar , una de las bandas encargadas de cerrar el espectáculo de mayor convocatoria del rock uruguayo, el domingo 9 de octubre (el evento se llevó a cabo los días 8 y 9 de dicho mes). Alejandro comenta sobre esta experiencia: “Recién el sábado como que empezamos a caer que íbamos a participar en un festival enorme y terminamos de caer cuando llegamos ahí. Pero teníamos una mezcla de cansancio y de alegría por haber terminado el disco. Habíamos concluido la etapa y lo planeado había salido bien. Era como una especie de fin de semana ideal: terminar un disco, ensayar un poco y tocar para ciento y pico de miles de personas... y encima el recibimiento que tuvimos”. Así fue... La Trampa tuvo una muy buena recepción en Durazno “fue también una sorpresa. Durante el día cuando estuvimos dando vueltas por ahí vimos remeras, banderas (...) no esperábamos tanta respuesta... tramposa, disfrutamos pila...” concluye.

Unas semanas después volvieron a otro recinto multitudinario. En la Fiesta de la X, esta vez realizada el 29 en el Parque Batlle, participaron de un evento que contó con más de 100.000 personas que coparon la zona.

Ya con el disco pronto, reanudaron su gira 2005 por todo el país, comenzando en el departamento de San José el 4 de noviembre.

El 17 de ese mismo mes, editaron su sexto CD: LABERINTO. En este nuevo trabajo, tomaron un camino diferente a lo que venía haciendo en los últimos años: “ A la banda –dice Garo– le sería muy fácil, por el lugar en el que hoy está y de donde viene, (...) hacer un disco de grandes éxitos pogueros con estribillos pegadizos y reelaborar su personalidad con esto que ha sucedido en los últimos dos años. La Trampa lo que hace es el camino totalmente inverso. La Trampa considera eso como un facilismo desde el punto de vista artístico, que no tiene un trabajo y una intención que se corresponda con lo que ha hecho siempre. Lo que ofrece es un camino laberíntico en el recorrido, valiente por parte nuestra en la intención de ingresar allí y con la confianza en que el público va a tener una actitud valiente, que va a entrar voluntariamente a recorrer esas canciones, a darse cuenta de que hay un mundo que subyace. No todo es ponerse una remera y cantar estribillos, no todo es pegadizo. Entrar voluntariamente, recorrerlo y salir con un resultado es el concepto casi arquetípico y mítico del laberinto. Creo que son muy buenas canciones, muy bien interpretadas y muy bien producido (el disco) por Fernando Cabrera”. “ Son temas de digestión más lenta, tópicos distintos a otros discos, hay cosas que tienen que ver con la naturaleza, símbolos arquetípicos. Todo es parte de un intento justamente de no ser recursivo, de no caer en lo mismo”.

Por otro lado agregaba: “Hay una diversidad original, géneros diferentes, muy distantes entre sí, cosas folclóricas por un lado, (...) que se deforman hasta llegar a una canción de La Trampa . Eso es una de las cosas que ya habíamos hecho, desde el primer disco. Y si lo retomamos es quizás la idea original, la de resolver todo con lo que tenemos, e incluimos una canción que tiene su origen en un ritmo y en una forma de concepción de canción folclórica armenia, e incluimos también otras formas, por ejemplo no sólo música rioplatense sino cosas del noroeste argentino, que nunca lo habíamos hecho y también creo que son canciones que en el disco se van complementando para tener un álbum variado donde de track a track realmente hay una diferencia importante”.

LABERINTO es un disco muy particular en el que aparece una gama variada de ritmos que van desde las bases de la música folclórica uruguaya y argentina, como la zamba, la décima o la chacarera, hasta productos más lejanos, como la música armenia e incluso elementos tomados del blues o del jazz, influencias quizás no tan notorias en los materiales anteriores del grupo, todo esto acompañado en la intención de los textos: “ Es un disco que no ha querido cargar con la genética de los anteriores. No queríamos que fuera una continuación, aunque suene a nosotros por los recursos que manejamos. Intentamos no repetir modelos, buscar por otros lados en las letras y no recurrir siempre a los mismos gatillos. Es un disco que tiene menos energía puesta en la cáscara y busca otros planos” (Garo).

En este disco, La Trampa contó con la producción artística del músico Fernando Cabrera: “ fue clave para encauzar tal diversidad en un disco que tiene un sonido característico y que no dudamos que llevará a quien lo escuche por un laberinto irremediablemente. Desde ya, a los ortodoxos, a los ortogonales, a los que en todo ven una traición... arrópense de valentía y coraje para transitar el laberinto, porque ahí adentro de nada sirven las cáscaras”. En otra ocasión Garo se extendía más sobre el trabajo del productor, diciendo que “él tiene una concepción muy polifónica, en un instante es capaz de analizar varios elementos, como los arreglos para llegar a un resultado que involucraba a todos, que a veces a nosotros nos lleva mucho tiempo analizar las cosas por separado para que después salga y además de todo su virtud para llevar al equipo. La primera vez que hablamos iba a trabajar principalmente en que no llegáramos a resultados obvios, tanto referenciados en nuestra propia historia como en la historia más universalizada del rock. Tratar de zafar de lo obvio en la medida de lo posible. Y creo que lo logró”.

El propio Cabrera, en una entrevista, hacía referencia a su trabajo como productor artísitico: “Para mí es tremendamente estimulante, es una fuente de ideas trabajar en la música de otro. Porque sino, los que ya tenemos una carrera desarrollada, corremos el riesgo de empezar a ver el mundo musical sólo por nuestros ojos, por nuestros oídos. En cambio, cuando tengo que hacer un trabajo de producción para otro artista, eso me coloca en la posición de olvidarme un poco de mí, de cuáles serían mis gustos, mi perspectiva estética, para ponerme dentro de otro proyecto que ya existe y que ya tiene su personalidad. Me exige un desprendimiento, quizá hasta de mis propias opiniones (...). Mi último trabajo fue con La Trampa , y tuve que meterme dentro de un grupo que ya tiene una personalidad muy definida, una trayectoria de muchos años, y que tiene muy claro lo que quiere hacer. Entonces, me integro a ellos como uno más de La Trampa . No es que se metió Fernando Cabrera a meter todas sus ideas y toda su escala de valores. Trato de ser funcional para ellos.”

En esta ocasión, hay 12 canciones nuevas. De éstas, 11 son compuestas en letra y música por Garo Arakelian. A ellas se le suma un soneto musicalizado por Garo: “El poeta dice la verdad”, un texto del poeta, dramaturgo y actor andaluz Federico García Lorca, perteneciente a la generación del 27 que fue asesinado por los Nacionalistas en la Guerra Civil española en 1936 (este poema pertenece al libro SONETOS DEL AMOR OSCURO publicado póstumamente en 1986).

Éste fue el track escogido por la banda como corte de difusión, que en poco tiempo logró una gran difusión en buena parte de los medios de comunicación locales, alcanzando incluso los primeros puestos en varios rankings en la FM capitalina.

El 2 de diciembre participó, al igual que en 2004, en el cierre del Rock en Ruedas de CUTCSA, en el “Teatro de Verano”, compartiendo la escena con Once Tiros, La Tabaré y las bandas ganadoras de las dos ediciones del concurso organizado por la empresa transportista.

Cerró las actuaciones del año en el departamento de Treinta y Tres el 30 de diciembre, pero ya se apresta a continuar con sus shows en el verano, realizando tres presentaciones en Rocha a lo largo de enero, y ya planifican la presentación del disco, que esperan realizar alrededor del mes de marzo.

La Trampa ha logrado, una comunicación muy particular con su público que la acompaña en todos los pasos que va dando. Como siguiendo las palabras de Garo: “Cuando la gente se pone la remera o canta las canciones, cuando elige escuchar a La Trampa , es como que se apropia de las cosas, se siente parte, que esto les pertenece. Hay como una personalidad explosiva y directa en las canciones, y también un mundo interior y más privado, una mirada introspectiva”.

La Trampa busca la complicidad de sus seguidores. Y la consigue. Fuentes: www.deluruguay.net

www.geocities.com/dulcestormentos
Entrevistas: Javier Horkheimer con Garo Arakelián para Banda joven ( www.bandajoven.com )

Nicolás Hidalgo con La Trampa para deluruguaynet ( www.deluruguay.net )
Juan Queijo con Garo Arakelián para Montevideo COMM ( www.montevideo.com.uy )
Andrés Larrosa y Federico Méndez con Álvaro Pintos y Carlos Ráfols para Uruguay Rock ( www.uruguayrock.com )
Fernando Butazzoni con Garo Arakelián en el programa Aquí ahora (M 24, 97.9, 19/ago/2004)
Jorge Díaz con Garo Arakelián en el programa Al ritmo de la vida (M 24, 97.9, 19/ago/2004)
Andrés Rega con Alejandro Spuntone y Álvaro Pintos en el programa Más de lo mismo (Galaxia, 105.9, 19/ago/2004)
Adrián Castelló y Leticia Pérez con Garo Arakelian, Alejandro Spuntone y Carlos Ráfols para la revista Bonus Track (Año 1, Nº4, Nov. 2005, págs. 11-17)
Roy Berocay con Garo Arakelian para el semanario Búsqueda (17/nov./2005)
Garo Arakelian respondiendo a deluruguay.net ( www.deluruguay.net )
Garo Arakelian respondiendo a Observa Universitario ( www.observa.com.uy/universitario )
Inés Nogueiras con Fernando Cabrera para el portal Montevideo COMM ( www.montevideo.com.uy )

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Integrantes
Garo Arakelian (guitarra)
Alejandro Spuntone (voz)
Carlos Ráfols (bajo)
Alvaro Pintos (batería)
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Discografía
Toca y Obliga (1994)
Canciones de "Toca y Obliga"

1. NADA PASA Y TODO QUEDA
2. DULCES TORMENTOS
3. VIENTOS DEL SUR
4. BESOS Y SILENCIOS
5. CANCION DEL PARQUE
6. EL GRITO DEL DIAMANTE
7. DEL ADIOS
8. ARMA DE DOBLE FILO
9. REQUIEM
10. POR VERTE FELIZ
11. AUNQUE LLOREN LOS MUCHACHOS
12. 1973 MILONGA MAR
Calaveras (La Trampa) (1997)
Canciones de "Calaveras"

1. CALAVERAS
2. CARNE
3. YO SE QUIEN SOY
4. MAR DE FONDO
5. LAS CRUCES DEL CORAZON
6. BUENA DROGA
7. SOLEDAD
8. LOS PATIOS DEL ALMA
9. LOS DIAS DE MILAGRO
10. FRENTE A FRENTE
11. VALS
12. PENSAR Y SEPARAR
Resurrección (La Trampa) (1999)
Canciones de "Resurrección"

1. GUERRA 5:03
2. MALDICION 5:23
3. VENDAS EN EL CORAZON 4:09
4. CONTRAPISO PARA EL ALMA 6:36
5. EL CIELO FRENTE A MI 4:19
6. ¿A DONDE VAS? 6:00
7. PELIGRO 7:40
8. LA CLARIDAD 5:06
9. CANCION 2000 3:28
10. AHUYENTANDO EL MIEDO 3:45
11. TUS MENTIRAS 5:36
12. RESURRECCION 4:58
Caída libre (2002)
Canciones de "Caída Libre"

1. SANTA ROSA 4:20
2. CAIDA LIBRE 3:40
3. LOS SUEÑOS 4:05
4. CRUZ DIABLO 4:10
5. MUERE CON LA SONRISA 3:30
6. LUNA DE MARZO 3:50
7. EL ORO Y LA MALDAD 3:50
8. MUERTE SERENA 4:10
9. MI POBRE FINAL 4:15
10. LA MORDIDA 3:40
11. PERDIDOS EN MONTEVIDEO 3:10
12. SI TE VAS 5:10
Frente a frente (2003)
Canciones de "Frente a frente"

1. LAS CRUCES DEL CORAZON
2. CALAVERAS
3. MUERTE SERENA
4. DE NOSOTROS DOS
5. VENDAS EN EL CORAZON
6. CONTRAPISO PARA EL ALMA
7. ARMA DE DOBLE FILO
8. 1973 MILONGA MAR
9. LUNA DE MARZO
10. DULCES TORMENTOS
11. POR VERTE FELIZ
12. PELIGRO
13. EL ORO Y LA MALDAD
14. DE DESPEDIDA
15. NADA PASA Y TODO QUEDA
16. CAIDA LIBRE
17. MAR DE FONDO
18. YO SE QUIEN SOY
Laberinto (La Trampa)(2005)
Canciones de "Laberinto"

1. PUENTE DE ESTRELLAS 3:53
2. LAS DECIMAS 3:43
3. EL POETA DICE LA VERDAD 4:36
4. RONDA DE LENGUAS 4:29
5. CANCIONES AL VIENTO 4:06
6. GAJO DE LUZ 3:46
7. SIN PIEL 4:49
8. ARAUCARIA 3:43
9. PENSARES 4:23
10. ALTA MAR 6:08
11. LOS OJOS DE MARIAM 3:30
12. VAGOS RECUERDOS 3:15

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Alejandro Dolina un grande!

Alejandro Dolina, (n. en Baigorrita, Provincia de Buenos Aires, el 20 de mayo de 1944), poeta argentino, escritor, conductor de programas de TV y radio.

Conduce el programa de radio La venganza será terrible de martes a sábados de 0 a 2, por Radio Continental de Buenos Aires, AM 590 (también se transmite en Radio El Espectador de Uruguay, AM 810), que tiene un gran éxito sobre todo en el público joven. El programa se inició en Radio El Mundo con el título "Demasiado tarde para lágrimas", con el mismo título años más tarde se trasladó a Radio Rivadavia, pasó incluso brevemente por una FM llamándose "El Ombligo del Mundo", para finalmente estar hoy nuevamente en Radio Continental con este exitosísimo programa (quizás el más exitoso de la radiodifusión argentina). Co-conducen este programa el psicólogo Gabriel Rolón y Guillermo Stronati. Durante el programa se narran historias y se escucha un tango; luego los integrantes protagonizan un segmento cómico y Alejandro Dolina toca temas (tangos en su mayoría) a pedido de los oyentes.

También condujo en el año 2003 el programa de televisión "Bar del infierno" que se emitió por Canal 7 como cierre de transmisión de lunes a viernes por la medianoche.

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Trayectoria
En 1987 escribió el libro "Crónicas del Ángel Gris", recopilación de una serie de artículos publicados en la revista "Humor Registrado". Publicó la editorial de esta misma revista, la hoy desaparecida Ediciones de la Urraca.
En 1996 decide renovarlo, cambiando de editorial (Colihue), y agregando nuevos capítulos, suprimiendo otros, y reformando algunos.
En 1995 empezó a Grabar "Lo que me costó el amor de Laura", opereta criolla, la que publica en 1998. El mismo año la estrena en teatro.
En 1999, Colihue publica "El libro del fantasma".
Grabó algunos "Radiocines", pequeñas obritas radioteatrales paródicas emitidas en su programa de radio que fueron especialmente vueltas a grabar para la versión en CD.
En 2004, el Grupo Editor Planeta publicó en su colección de bolsillo "Biblioteca Alejandro Dolina" las "Crónicas" y "El libro del fantasma".
En 2005 , el Grupo Editor Planeta publicó "Bar del infierno", su libro más reciente.
También es autor de las comedias musicales "El barrio del Ángel Gris", que obtuvo el premio Argentores en 1990, y "Teatro de Medianoche", que protagonizó él mismo como actor y cantante.

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The RS 500 Greatest Albums of All Time

1. Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, The Beatles

2. Pet Sounds, The Beach Boys

3. Revolver, The Beatles

4. Highway 61 Revisited, Bob Dylan

5. Rubber Soul, The Beatles

6. What's Going On, Marvin Gaye

7. Exile on Main Street, The Rolling Stones

8. London Calling, The Clash

9. Blonde on Blonde, Bob Dylan

10. The Beatles ("The White Album"), The Beatles

11. The Sun Sessions, Elvis Presley

12. Kind of Blue, Miles Davis

13. Velvet Underground and Nico, The Velvet Underground

14. Abbey Road, The Beatles

15. Are You Experienced?, The Jimi Hendrix Experience

16. Blood on the Tracks, Bob Dylan

17. Nevermind, Nirvana

18. Born to Run, Bruce Springsteen

19. Astral Weeks, Van Morrison

20. Thriller, Michael Jackson

21. The Great Twenty-Eight, Chuck Berry

22. Plastic Ono Band, John Lennon

23. Innervisions, Stevie Wonder

24. Live at the Apollo (1963), James Brown

25. Rumours, Fleetwood Mac

26. The Joshua Tree, U2

27. King of the Delta Blues Singers, Vol. 1, Robert Johnson

28. Who's Next, The Who

29. Led Zeppelin, Led Zeppelin

30. Blue, Joni Mitchell

31. Bringing It All Back Home, Bob Dylan

32. Let It Bleed, The Rolling Stones

33. Ramones, Ramones

34. Music From Big Pink, The Band

35. The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders From Mars, David Bowie

36. Tapestry, Carole King

37. Hotel California, The Eagles

38. The Anthology, 1947 - 1972, Muddy Waters

39. Please Please Me, The Beatles

40. Forever Changes, Love

41. Never Mind the Bollocks, Here's the Sex Pistols, The Sex Pistols

42. The Doors, The Doors

43. The Dark Side of the Moon, Pink Floyd

44. Horses, Patti Smith

45. The Band, The Band

46. Legend, Bob Marley and the Wailers

47. A Love Supreme, John Coltrane

48. It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back, Public Enemy

49. At Fillmore East, The Allman Brothers Band

50. Here's Little Richard, Little Richard

51. Bridge Over Troubled Water, Simon and Garfunkel

52. Greatest Hits, Al Green

53. The Birth of Soul: The Complete Atlantic Rhythm and Blues Recordings, 1952 - 1959, Ray Charles

54. Electric Ladyland, The Jimi Hendrix Experience

55. Elvis Presley, Elvis Presley

56. Songs in the Key of Life, Stevie Wonder

57. Beggars Banquet, The Rolling Stones

58. Trout Mask Replica, Captain Beefheart and His Magic Band

59. Meet the Beatles, The Beatles

60. Greatest Hits, Sly and the Family Stone

61. Appetite for Destruction, Guns n' Roses

62. Achtung Baby, U2

63. Sticky Fingers, The Rolling Stones

64. Phil Spector, Back to Mono (1958 - 1969), Various Artists

65. Moondance, Van Morrison

66. Led Zeppelin IV, Led Zeppelin

67. The Stranger, Billy Joel

68. Off the Wall, Michael Jackson

69. Superfly, Curtis Mayfield

70. Physical Graffiti, Led Zeppelin

71. After the Gold Rush, Neil Young

72. Purple Rain, Prince

73. Back in Black, AC/DC

74. Otis Blue, Otis Redding

75. Led Zeppelin II, Led Zeppelin

76. Imagine, John Lennon

77. The Clash, The Clash

78. Harvest, Neil Young

79. Star Time, James Brown

80. Odessey and Oracle, The Zombies

81. Graceland, Paul Simon

82. Axis: Bold as Love, The Jimi Hendrix Experience

83. I Never Loved a Man the Way I Love You, Aretha Franklin

84. Lady Soul, Aretha Franklin

85. Born in the U.S.A., Bruce Springsteen

86. Let It Be, The Beatles

87. The Wall, Pink Floyd

88. At Folsom Prison, Johnny Cash

89. Dusty in Memphis, Dusty Springfield

90. Talking Book, Stevie Wonder

91. Goodbye Yellow Brick Road, Elton John

92. 20 Golden Greats, Buddy Holly

93. Sign 'o' the Times, Prince

94. Bitches Brew, Miles Davis

95. Green River, Creedence Clearwater Revival

96. Tommy, The Who

97. The Freewheelin' Bob Dylan, Bob Dylan

98. This Year's Model, Elvis Costello

99. There's a Riot Goin' On, Sly and the Family Stone

100. In the Wee Small Hours, Frank Sinatra

101. Fresh Cream, Cream
102. Giant Steps, John Coltrane

103. Sweet Baby James, James Taylor

104. Modern Sounds in Country and Western Music, Ray Charles

105. Rocket to Russia, Ramones

106. Portrait of a Legend 1951 - 1964, Sam Cooke

107. Hunky Dory, David Bowie

108. Aftermath, The Rolling Stones

109. Loaded, The Velvet Underground

110. The Bends, Radiohead

111. Court and Spark, Joni Mitchell

112. Disraeli Gears, Cream

113. The Who Sell Out, The Who

114. Out of Our Heads, The Rolling Stones

115. Layla and Other Assorted Love Songs, Derek and the Dominos

116. At Last, Etta James

117. Sweetheart of the Rodeo , The Byrds

118. Stand!, Sly and the Family Stone

119. The Harder They Come Original Soundtrack, Various Artists

120. Raising Hell, Run-DMC

121. Moby Grape, Moby Grape

122. Pearl, Janis Joplin

123. Catch a Fire, Bob Marley and the Wailers

124. Younger Than Yesterday, The Byrds

125. Raw Power, The Stooges

126. Remain in Light, Talking Heads

127. If You Can Believe Your Eyes and Ears, The Mamas and the Papas

128. Marquee Moon, Television

129. 40 Greatest Hits, Hank Williams

130. Paranoid, Black Sabbath

131. Saturday Night Fever, Various Artists

132. The Wild, the Innocent and the E Street Shuffle, Bruce Springsteen

133. Ready to Die, The Notorious B.I.G.

134. Slanted and Enchanted, Pavement

135. Greatest Hits, Elton John

136. Tim, The Replacements

137. The Chronic, Dr. Dre

138. Rejuvenation, The Meters

139. All That You Can't Leave Behind, U2

140. Parallel Lines, Blondie

141. Live at the Regal, B.B. King

142. Phil Spector, A Christmas Gift for You, Various Artists

143. Gris-Gris, Dr. John

144. Straight Outta Compton, N.W.A

145. Aja, Steely Dan

146. Surrealistic Pillow, Jefferson Airplane

147. Dreams to Remember: The Otis Redding Anthology, Otis Redding

148. Deja Vu, Crosby Stills Nash and Young

149. Houses of the Holy, Led Zeppelin

150. Santana, Santana

151. Darkness on the Edge of Town, Bruce Springsteen

152. The B-52's, The B-52's

153. Moanin' in the Moonlight, Howlin' Wolf

154. The Low End Theory, A Tribe Called Quest

155. Pretenders, The Pretenders

156. Paul's Boutique, Beastie Boys

157. Closer, Joy Division

158. Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy, Elton John

159. Alive, Kiss

160. Electric Warrior, T. Rex

161. The Dock of the Bay, Otis Redding

162. OK Computer, Radiohead

163. 1999, Prince

164. Heart Like a Wheel, Linda Ronstadt

165. Let's Get It On, Marvin Gaye

166. Imperial Bedroom , Elvis Costello

167. Master of Puppets, Metallica

168. My Aim Is True, Elvis Costello

169. Exodus, Bob Marley

170. Live at Leeds, The Who

171. The Notorious Byrd Brothers, The Byrds

172. Every Picture Tells a Story, Rod Stewart

173. Something/Anything?, Todd Rundgren

174. Desire, Bob Dylan

175. Close to You, The Carpenters

176. Rocks, Aerosmith

177. One Nation Under a Groove, Parliament/Funkadelic

178. Greatest Hits, The Byrds

179. The Anthology 1961 - 1977, Curtis Mayfield and the Impressions

180. The Definitive Collection, Abba

181. The Rolling Stones, Now!, The Rolling Stones

182. Natty Dread, Bob Marley and the Wailers

183. Fleetwood Mac, Fleetwood Mac

184. Red Headed Stranger, Willie Nelson

185. The Stooges, The Stooges

186. Fresh, Sly and the Family Stone

187. So, Peter Gabriel

188. Buffalo Springfield Again, Buffalo Springfield

189. Happy Trails, Quicksilver Messenger Service

190. From Elvis in Memphis, Elvis Presley

191. Funhouse, The Stooges

192. The Gilded Palace of Sin, The Flying Burrito Brothers

193. Dookie, Green Day

194. Transformer, Lou Reed

195. Bluesbreakers, John Mayall With Eric Clapton

196. Nuggets: Original Artyfacts from the First Psychedelic Era 1965 - 1968, Various Artists

197. Murmur, R.E.M.

198. The Best of, Little Walter

199. Highway to Hell, AC/DC

200. The Downward Spiral, Nine Inch Nails

201. Parsley, Sage, Rosemary and Thyme, Simon and Garfunkel
202. Bad, Michael Jackson

203. Wheels of Fire, Cream

204. Dirty Mind, Prince

205. Abraxas, Santana

206. Tea for the Tillerman, Cat Stevens

207. Ten, Pearl Jam

208. Everybody Knows This Is Nowhere, Neil Young With Crazy Horse

209. Wish You Were Here, Pink Floyd

210. Crooked Rain, Crooked Rain, Pavement

211. Tattoo You, The Rolling Stones

212. Proud Mary: The Best of Ike and Tina Turner, Ike and Tina Turner

213. New York Dolls, New York Dolls

214. Bo Diddley/Go Bo Diddley, Bo Diddley

215. Two Steps From the Blues, Bobby Bland

216. The Queen Is Dead, The Smiths

217. Licensed to Ill, Beastie Boys

218. Look-Ka Py Py, The Meters

219. Loveless, My Bloody Valentine

220. New Orleans Piano, Professor Longhair

221. War, U2

222. The Neil Diamond Collection, Neil Diamond

223. Howlin' Wolf, Howlin' Wolf

224. Nebraska, Bruce Springsteen

225. The Complete Hank Williams, Hank Williams

226. Doolittle, Pixies

227. Paid in Full, Eric B. and Rakim

228. Toys in the Attic, Aerosmith

229. Nick of Time, Bonnie Raitt

230. A Night at the Opera, Queen

231. The Kink Kronikles, The Kinks

232. Mr. Tambourine Man, The Byrds

233. Bookends, Simon and Garfunkel

234. The Ultimate Collection, Patsy Cline

235. Mr. Excitement!, Jackie Wilson

236. The Who Sings My Generation, The Who

237. Like a Prayer, Madonna

238. Can't Buy a Thrill, Steely Dan

239. Let It Be, The Replacements

240. Run-DMC, Run-DMC

241. Black Sabbath, Black Sabbath

242. The Jerry Lee Lewis Anthology: All Killer No Filler!, Jerry Lee Lewis

243. Freak Out!, The Mothers of Invention

244. Live Dead, Grateful Dead

245. Bryter Layter, Nick Drake

246. The Shape of Jazz to Come, Ornette Coleman

247. Automatic for the People, R.E.M.

248. Reasonable Doubt, Jay-Z

249. Low, David Bowie

250. The River, Bruce Springsteen

251. The Otis Redding Dictionary of Soul, Otis Redding

252. Metallica, Metallica

253. Trans-Europe Express, Kraftwerk

254. Whitney Houston, Whitney Houston

255. The Kinks Are the Village Green Preservation Society, The Kinks

256. The Velvet Rope, Janet Jackson

257. Stardust, Willie Nelson

258. American Beauty, Grateful Dead

259. Crosby Stills and Nash, Crosby Stills and Nash

260. Buena Vista Social Club , Buena Vista Social Club

261. Tracy Chapman, Tracy Chapman

262. Workingman's Dead, Grateful Dead

263. The Genius of Ray Charles, Ray Charles

264. Child Is Father to the Man, Blood, Sweat and Tears

265. Cosmo's Factory, Creedence Clearwater Revival

266. Quadrophenia, The Who

267. There Goes Rhymin' Simon, Paul Simon

268. Psycho Candy, The Jesus and Mary Chain

269. Some Girls, The Rolling Stones

270. The Beach Boys Today!, The Beach Boys

271. Going to a Go-Go, Smokey Robinson and the Miracles

272. Nightbirds, Labelle

273. The Slim Shady LP, Eminem

274. Mothership Connection, Parliament

275. Rhythm Nation 1814, Janet Jackson

276. Anthology of American Folk Music, Harry Smith, ed.

277. Aladdin Sane, David Bowie

278. The Immaculate Collection, Madonna

279. My Life, Mary J. Blige

280. Folk Singer, Muddy Waters

281. Can't Get Enough, Barry White

282. The Cars, The Cars

283. Five Leaves Left, Nick Drake

284. Music of My Mind, Stevie Wonder

285. I'm Still in Love With You, Al Green

286. Los Angeles, X

287. Anthem of the Sun, Grateful Dead

288. Something Else by the Kinks, The Kinks

289. Call Me, Al Green

290. Talking Heads: 77, Talking Heads

291. The Basement Tapes, Bob Dylan and the Band

292. White Light / White Heat, The Velvet Underground

293. Greatest Hits, Simon and Garfunkel

294. Kick Out the Jams, MC5

295. Meat Is Murder, The Smiths

296. We're Only In It For the Money, The Mothers of Invention

297. Weezer (Blue Album), Weezer

298. Master of Reality, Black Sabbath

299. Coat of Many Colors, Dolly Parton

300. Fear of a Black Planet, Public Enemy

301. John Wesley Harding, Bob Dylan
302. The Marshall Mathers LP, Eminem

303. Grace, Jeff Buckley

304. Car Wheels on a Gravel Road, Lucinda Williams

305. Odelay, Beck

306. Songs for Swingin' Lovers, Frank Sinatra

307. Avalon, Roxy Music

308. The Sun Records Collection, Various Artists

309. Nothing's Shocking, Jane's Addiction

310. BloodSugarSexMagik, Red Hot Chili Peppers

311. Unplugged in New York, Nirvana

312. The Miseducation of Lauryn Hill, Lauryn Hill

313. Damn the Torpedoes, Tom Petty and the Heartbreakers

314. The Velvet Underground, The Velvet Underground

315. Surfer Rosa, Pixies

316. Rock Steady, No Doubt

317. The Eminem Show, Eminem

318. Back Stabbers, The O'Jays

319. Burnin', Bob Marley and the Wailers

320. Pink Moon, Nick Drake

321. Sail Away, Randy Newman

322. Ghost in the Machine, The Police

323. Station to Station, David Bowie

324. The Very Best of Linda Ronstadt, Linda Ronstadt

325. Slowhand, Eric Clapton

326. Disintegration, The Cure

327. Jagged Little Pill, Alanis Morissette

328. Exile in Guyville, Liz Phair

329. Daydream Nation, Sonic Youth

330. In the Jungle Groove, James Brown

331. Tonight's the Night, Neil Young

332. Help!, The Beatles

333. Shoot Out the Lights, Richard and Linda Thompson

334. Wild Gift, X

335. Squeezing Out Sparks, Graham Parker

336. Superunknown, Soundgarden

337. Aqualung, Jethro Tull

338. Cheap Thrills, Big Brother and the Holding Company

339. The Heart of Saturday Night, Tom Waits

340. Damaged, Black Flag

341. Play, Moby

342. Violator, Depeche Mode

343. Bat Out of Hell, Meat Loaf

344. Berlin, Lou Reed

345. Stop Making Sense, Talking Heads

346. 3 Feet High and Rising, De La Soul

347. The Piper at the Gates of Dawn, Pink Floyd

348. At Newport 1960, Muddy Waters

349. Roger the Engineer (a.k.a. Over Under Sideways Down), The Yardbirds

350. Rust Never Sleeps, Neil Young and Crazy Horse

351. Brothers in Arms, Dire Straits

352. 52nd Street, Billy Joel

353. Having a Rave Up With the Yardbirds, The Yardbirds

354. 12 Songs, Randy Newman

355. Between the Buttons, The Rolling Stones

356. Sketches of Spain, Miles Davis

357. Honky Chateau, Elton John

358. Singles Going Steady, Buzzcocks

359. Stankonia, Outkast

360. Siamese Dream, The Smashing Pumpkins

361. Substance, New Order

362. L.A. Woman, The Doors

363. Ray of Light, Madonna

364. American Recordings, Johnny Cash

365. Louder Than Bombs, The Smiths

366. Mott, Mott the Hoople

367. Is This It, The Strokes

368. Rage Against the Machine, Rage Against the Machine

369. Reggatta de Blanc, The Police

370. Volunteers, Jefferson Airplane

371. Siren, Roxy Music

372. Late for the Sky, Jackson Browne

373. Post, Bjork

374. The Eagles, The Eagles

375. The Ultimate Collection (1948 - 1990), John Lee Hooker

376. (What's the Story) Morning Glory?, Oasis

377. CrazySexyCool, TLC

378. Funky Kingston, Toots and the Maytals

379. Greetings from Asbury Park, Bruce Springsteen

380. Sunflower, The Beach Boys

381. Modern Lovers, Modern Lovers

382. More Songs About Buildings and Food, Talking Heads

383. A Quick One (Happy Jack), The Who

384. Pyromania, Def Leppard

385. Pretzel Logic, Steely Dan

386. Enter the Wu-Tang: 36 Chambers, Wu-Tang Clan

387. Country Life, Roxy Music

388. A Hard Day's Night, The Beatles

389. The End of the Innocence, Don Henley

390. Elephant, The White Stripes

391. The Pretender, Jackson Browne

392. Willy and the Poor Boys, Creedence Clearwater Revival

393. Good Old Boys, Randy Newman

394. For Your Pleasure, Roxy Music

395. Blue Lines, Massive Attack

396. Eliminator, ZZ Top

397. Rain Dogs, Tom Waits

398. Anthology, The Temptations

399. Californication, Red Hot Chili Peppers

400. Illmatic, Nas

401. (Pronounced Leh-Nerd Skin-Nerd), Lynyrd Skynyrd
402. Dr. John's Gumbo, Dr. John

403. Radio City, Big Star

404. Sandinista!, The Clash

405. Rid of Me, PJ Harvey

406. I Do Not Want What I Haven't Got, Sinead O' Connor

407. Strange Days, The Doors

408. Time Out of Mind, Bob Dylan

409. 461 Ocean Boulevard, Eric Clapton

410. Pink Flag, Wire

411. Double Nickels on the Dime, Minutemen

412. Mezzanine, Massive Attack

413. Beauty and the Beat, Go-Go's

414. Greatest Hits, James Brown

415. Van Halen , Van Halen

416. Mule Variations, Tom Waits

417. Boy, U2

418. Band on the Run, Wings

419. Dummy, Portishead

420. With the Beatles, The Beatles

421. The "Chirping" Crickets, Buddy Holly and the Crickets

422. The Best of the Girl Groups, Volumes 1 and 2 , Various Artists

423. Greatest Hits, The Mamas and the Papas

424. King of the Delta Blues Singers, Vol. 2, Robert Johnson

425. Changesone, David Bowie

426. The Battle of Los Angeles, Rage Against the Machine

427. Presenting the Fabulous Ronettes Featuring Veronica, The Ronettes

428. Kid A, Radiohead

429. Grievous Angel, Gram Parsons

430. At Budokan, Cheap Trick

431. Anthology, Diana Ross and the Supremes

432. Sleepless, Peter Wolf

433. Another Green World, Brian Eno

434. Outlandos D'Amour, The Police

435. To Bring You My Love, PJ Harvey

436. Here Come the Warm Jets, Brian Eno

437. All Things Must Pass, George Harrison

438. #1 Record, Big Star

439. In Utero, Nirvana

440. Sea Change, Beck

441. Tragic Kingdom, No Doubt

442. Boys Don't Cry, The Cure

443. Live at the Harlem Square Club, 1963, Sam Cooke

444. Criminal Minded, Boogie Down Productions

445. Rum Sodomy and the Lash, The Pogues

446. Suicide, Suicide

447. Q: Are We Not Men? A: We Are Devo!, Devo>

448. In Color, Cheap Trick

449. The World Is a Ghetto, War

450. Fly Like an Eagle, Steve Miller Band

451. Back in the USA, MC5

452. Music, Madonna

453. Ritual de lo Habitual, Jane's Addiction

454. Getz/Gilberto, Stan Getz and Joao Gilberto Featuring Antonio Carlos Jobim

455. Synchronicity, The Police

456. Third/Sister Lovers, Big Star

457. For Everyman, Jackson Browne

458. John Prine, John Prine

459. Strictly Business, EPMD

460. Love It to Death, Alice Cooper

461. How Will the Wolf Survive?, Los Lobos

462. Here, My Dear, Marvin Gaye

463. Tumbleweed Connection, Elton John

464. The Blueprint, Jay-Z

465. Golden Hits, The Drifters

466. Live Through This, Hole

467. Love and Theft, Bob Dylan

468. Elton John, Elton John

469. Metal Box, Public Image Ltd.

470. Document, R.E.M.

471. Heaven Up Here, Echo and the Bunnymen

472. Hysteria, Def Leppard

473. A Rush of Blood to the Head, Coldplay

474. Live in Europe, Otis Redding

475. Tunnel of Love, Bruce Springsteen

476. The Paul Butterfield Blues Band, The Paul Butterfield Blues Band

477. The Score, Fugees

478. Radio, LL Cool J

479. I Want to See the Bright Lights Tonight, Richard and Linda Thompson

480. Faith, George Michael

481. The Smiths, The Smiths

482. Armed Forces, Elvis Costello and the Attractions

483. Life After Death, The Notorious B.I.G.

484. Branded Man, Merle Haggard

485. All Time Greatest Hits, Loretta Lynn

486. Maggot Brain, Funkadelic

487. Mellon Collie and the Infinite Sadness, The Smashing Pumpkins

488. Voodoo, D'Angelo

489. Guitar Town, Steve Earle

490. Entertainment!, Gang of Four

491. All the Young Dudes, Mott the Hoople

492. Vitalogy, Pearl Jam

493. That's the Way of the World, Earth, Wind and Fire

494. She's So Unusual, Cyndi Lauper

495. New Day Rising, Husker Du

496. Destroyer, Kiss

497. Yo! Bum Rush the Show, Public Enemy

498. Tres Hombres, ZZ Top

499. Born Under a Bad Sign, Albert King

500. Touch, Eurythmics

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Las muertes del rock

Por Enfermedades
Freddie Mercury: Farrokh Bulsara, más conocido como Freddie Mercury, fue el gran vocalista de la legendaria banda Queen. De excelente calidad vocal y dotado de un imprevisible y versátil registro, Freddie tuvo un amargo y profesional final, grabando gravemente enfermo el último título de la banda "Made in heaven", publicado tras su muerte por una bronconeumonía que el SIDA le provocó, el día después de que anunciara que padecía dicha enfermedad.
George Harrison: El segundo Beatle en perder la vida, esta vez, a causa de una irreversible enfermedad. Aunque no fuera guitarrista principal, George se convirtió -por derecho propio- en una de las figuras históricas del rock´n´roll, y su muerte fue tan sentida en EU. como en el resto del mundo.
Joey Ramone: Uno de los íconos del punk. Este emblema musical se destacó por ser el vocalista de los Ramones, Siempre serán recordados clásicos de este género como Sheena is a Punk Rocker, I Wanna Be Sedated, Blitzkrieg Bop y Mama's Boy.
Ricardo Chofa Moreno: El guitarrista original de V8 murió por una enfermedad de asma crónico
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Por excesos o adicciones
Bon Scott: Pese a su aspecto y fama indestructibles, Scott sucumbió inesperadamente el destino común de muchos grandes del genéro que nos ocupa. El líder de AC/DC facturó el suficiente alcohol y drogas en su cuerpo como para finalmente morir
Jim Morrison: Víctima de sus propias adicciones. En su corta vida, este poeta urbano, estudiante de cine en sus inicios -conoció a Ray Manzarek, teclista, en la escuela de cine- fue un ídolo de peso en el rock estadounidense, y uno de los héroes más míticos y dueños de la escena, tan emblemático como inestable. Sus movimientos sugestivos lo llevaron a convertirse en un símbolo sexual para todas las jóvenes de la época. Fue uno de los más representativos de los músicos de The Doors, pero ante todo, el más famoso. Su vida y obra fueron registradas en un filme dirigido por Oliver Stone y protagonizado por Val Kilmer, titulado "The Doors".
Jim Morrison fue encontrado muerto en la bañera de su casa en París, la autopsia reveló un paro cardíaco
Janis Joplin: Uno de los emblemas del rock de los sesenta, al igual que Morrison. Supo traer al mundo cantidades de éxitos entre los que se destacan los siempre recordados Move Over (con numerosos covers, uno de ellos de Cinderella), Me & Bobby McGee y Piece of my Heart. Su carácter despreocupado y liberal marcaría una trayectoria transitada por demasiados excesos y adicciones, que la abocarían finalmente a la muerte por sobredosis.
John Bonham: Baterista de Led Zeppelin. Uno de los mejores de la época. Su reconocimiento musical lo obtuvo junto a los Zeppelin, a quienes se les acusaba de practicar todo tipo de rituales de dudosa procedencia, dada la imagen sicodélica de la banda. Su muerte fue motivo para habladurías de todo tipo, incluso se le llegó a acusar al resto de la agrupación de la misma. En realidad, su cuerpo fue hallado ahogado en su propio vómito tras una borrachera de vodka con zumo de naranja en la casa de Jimmy Page.
Tras su muerte, Led Zeppelin se separó, y en su homenaje nunca volvió a reunirse
Keith Moon: El baterista de la prodigiosa banda The Who. Siempre se caracterizó por sus desmandes a todo nivel, y fue uno de los precursores de la destrucción de los instrumentos tras los shows. Formó junto a Pete Towshend (guitarra) uno de los tándems más recordados del rock de los sesenta y setenta, y protagonizó algunas de las más sonadas anécdotas del panorama yonqui -como suministrarse un tranquilizante para caballos y dormir durante dos días- hasta que se le encontró muerto, por una sobredosis accidental de la medicación con la que combatía su alcoholismo. Toda una paradoja que, como en la gran mayoría de los casos, dió mucho que hablar.
Sid Vicious: Sid Vicious fue el que más se dejó llevar por estos episodios de sexo, drogas y punk, y por ello perdió la vida tras una sobredosis, uno de los comunes denominadores en la escena rock de la época, no solo en Inglaterra, sino en toda Europa y Estados Unidos. Aunque teniendo en cuenta sus hábitos y su procedencia -su madre le proveía de speed-, su historia era la crónica de una muerte anunciada. Falleció por sobredosis, y legado musical es grande, pese a lo corto de su carrera.
Dee Dee Ramone: Muerto de sobredosis, fue el primer bajista de Ramones y gran compositor de la mayoria de sus temas, También quiso dedicarse al rap tras abandonar la banda por problemas con los demás integrantes. Los últimos años siguió con la musica tocando para fans, hasta que un 5 de junio de 2002 fue encontrado sin vida en su sillón.
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Accidentes
Randy Rhoads: El fallecimiento de esta figura del metal es quizás la muerte la desangeladora y fortuita en comparación con los otros casos tratados. Cuenta la historia que Randy subió al avión de un amigo de la banda, junto a otros miembros de la misma (auxiliares), sólo para hacer un vuelo de prueba. El caso es que dicho avión se precipitó a tierra, muy cerca del lugar donde se encontraba Ozzy Osbourne. Este hecho repercutió enormemente en Ozzy, quien había trabado una sólida amistad con Randy.
Cliff Burton: Uno de los primeros bajistas de la banda Metallica. Cliff falleció con apenas 24 años de edad, en un accidente automovilístico en una de las giras de su banda por Europa. No cabe duda que su ausencia repercutió de una manera negativa en la orientación de los trabajos siguientes de Metallica.
Pappo: Después de más 35 años de trayectoria, Pappo fallece en un accidente de carretera a lomos de una Harley, el 25 de febrero de 2005 mientras iba por la ruta 5 hacia la localidad de Luján.
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Crímenes
John Lennon: Una de las muertes más recordadas en la historia del rock. Ex vocalista y guitarrista de The Beatles -y considerado una de las partes sólida del núcleo del grupo- continuó su carrera en solitario hasta que un fan obsesionado acabó con su vida cuando él salía por la puerta de su apartamento, después de haberse hecho unas fotos con la fotógrafa de la publicación estadounidese "Rolling Stone". Lennon había firmado un autógrafo ese mismo día, al hombre que le quitó la vida. Tras su muerte, dicen los místicos, "Imagine" suena está sonando siempre, en alguna parte del mundo.
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Suicidios
Kurt Cobain: El gran Heroe del Grunge. Un caso tristemente recurrente -véase por ejemplo Ian Curtis, gran ausente de esta lista- y siempre igual de desolador. Kurt se quitó la vida en una de sus constantes crisis depresivas, a todas luces, por su incapacidad para asimilar el éxito. El cantante y cabeza de Nirvana, dejó en el recuerdo álbumes inolvidables como "Nevermind".
Osvaldo Civile: El guitarrista de Horcas fue encontrado muerto en su casa luego de pegarse un tiro. Poco antes había terminado la grabación del disco Eternos, e incluso realizó una nota para la revista Epopeya en la cual aparecía jugando al póker con la Parca.
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Las_muertes_del_rock"

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Led Zeppelin

Led Zeppelin fue una banda de música rock inglesa fundada en 1968 por el guitarrista Jimmy Page. Con la inclusión en el grupo de John Paul Jones como bajo -al que Page conocía de trabajos anteriores con The Yardbirds-, la adhesión del vocalista Robert Plant y de John Bonham a la batería -que coincidió con Plant en The Band of Joy-, quedó formado el que sería uno de los más influyentes grupos de la historia del rock, fundadores del hard rock e incluso del heavy metal. Además incluyó elementos de un amplio espectro de influencias, como blues, rockabilly, soul, funk, celta, música india, árabe, folk, country, e incluso latina.

Más de 25 años después tras la disgregación de la banda, en 1980, la música de Led Zeppelin continúa vendiéndose, disfruta de una amplia difusión radiofónica, y ha demostrado ser una de las bandas más influyentes en la música rock moderna[¡falta una referencia!]. Hasta la fecha, la banda ha vendido más de 300 millones de álbumes en el mundo, incluidos 109 millones de ventas sólo en Estados Unidos.

Led Zeppelin se formó a finales de 1968, cuando Jimmy Page, que ya tenía cierta reputación en Inglaterra por su labor como sesionista de estudio y por ser el último guitarrista de la banda The Yardbirds buscaba nuevos músicos para su proyecto The New Yardbirds, surgido a partir de la disolución de The Yardbirds . El nombre de la banda surgió a raíz de un mal chiste de Keith Moon en una sesión de grabación de un tema de Jeff Beck en el que participaban Jimmy Page, John Paul Jones, Keith Moon y Jeff Beck. El nombre surgió en un principio como Lead Zeppelin, pero a recomendación de Peter Grant, el mánager de la banda, se suprimió la a de Lead para evitar problemas de pronunciación por parte de los norteamericanos (las vocales ea se pronuncian como una i en el inglés de Norteamérica).

Su primer disco fue editado en 1969, llamado también Led Zeppelin. Fue grabado en apenas una semana (grabado, mezclado y editado) en los estudios Olympic de Londres en octubre de 1968, empleando apenas 30 horas de estudio y sin casi horas de ensayo, ya que tenían los temas preparados desde la pequeña gira escandinava en la que aún eran The New Yardbirds. Al principio, el público británico no respondía muy efusivamente al lanzamiento del álbum y las explosivas actuaciones que lo siguieron, un hecho que provocó que la banda dejara de publicar singles en Inglaterra, pero tras embarcar en su primera gira norteamericana, el álbum tuvo un éxito inmenso en crítica y público, sobretodo en Estados Unidos. Su segundo disco, Led Zeppelin II los consagró definitivamente, llegando al número 1 en las listas británica y estadounidense (destronando al Abbey Road de The Beatles) y permaneciendo allí durante siete semanas, probablemente gracias al éxito de temas como Whole Lotta Love.

Tras éste y su tercer disco, Led Zeppelin III, algunos acusaron al grupo de no ser más que un montaje comercial, debido al carácter íntimo y acústico de las canciones contenidas en dicho álbum. La banda entera y sobretodo Page se tomó personalmente estas críticas, lo que provocó que su cuarto trabajo, en su edición original, no tuviera título ni nada que permitiera identificarle, a excepción de cuatro extraños símbolos, o runas, uno para cada miembro de la banda. Era el año 1971. Este álbum, llamado comúnmente Led Zeppelin IV, fue el LP más vendido de la banda (actualmente está en la ubicación nº 4 de los álbumes más vendidos de la historia según la RIAA), y destaca su éxito más grande Stairway To Heaven, además de clásicos de la banda como Black Dog, Rock and Roll, y When The Levee Breaks, de la cual destaca el imponente sonido atronador y pesado de la batería de John Bonham.

Su siguiente disco, Houses of the Holy (álbum) supone una nueva idea en el grupo, mezclando diversos estilos musicales, blues, rock, folk, e inclusos matices reggae. Como siempre, el álbum causó controversia entre los críticos a pesar de tener excelentes ventas. Para sentirse más cómodos en la grabación de sus álbumes, Led Zeppelin crean en 1974 su propio sello discográfico Swan Song. A partir de ahora la banda hace todas sus grabaciones bajo este sello.

En 1975 se publica Physical Graffiti (álbum), el primer trabajo concebido desde Swan Song. Se trataba de un álbum doble que además de contener piezas nuevas como la impresionante Kashmir, incluía material descartado de álbumes anteriores. Éste álbum es considerado de los mejores de la banda, probablemente por la cantidad y diversidad de temas. 1975 supusó la coronación de Led Zeppelin como la mejor banda de rock de la historia tanto por la crítica como por la propia banda, cuyas actuaciones en directo en este año fueron apoteósicas y multitudinarias. Sin embargo, el acelerado ritmo de trabajo de Led Zeppelin se vio interrumpido cuando en el verano de ese mismo año Robert Plant sufrió un grave accidente automovilístico en la Isla de Rodas, que fue seguido por una difícil y larga recuperación que se extendió aproximadamente un año, 1976.

Es en este año en el que se prepara a toda velocidad el siguiente trabajo de la banda, Presence (álbum), grabado en la ciudad de Munich, caracterizado por no tener ninguna canción acústica y sin el uso de ningún teclado. Es un álbum marcado por el estado convalesciente de Robert Plant, quien grabó sus tomas vocales postrado en una silla de ruedas o en muletas.

Posterioremente editaron su primer disco en vivo, The Song Remains The Same (álbum), banda sonora de la película del mismo nombre, la cual muestra unas actuaciones de 1973 en Nueva York que finalizaron una gira estadounidense, mezcladas con unas escenas de fantasía ideadas por la propia banda.

Tras volver a los escenarios en 1977, de nuevo Robert Plant vuelve a verse afectado, esta vez por la muerte de su hijo Karac Pendra de seis años, a causa de una infección estomacal, hecho que marcó profundamente a Plant, llegando a plantearse su continuidad dentro de la banda. Sin embargo, Robert recapacita y en 1978 la banda vuelve al estudio, concretamente a Estocolmo para grabar el que sería inesperadamente su último álbum de estudio, In Through the Out Door (álbum).Desgraciadamente, de nuevo encontraban problemas para terminar el álbum, ya que por aquel entonces, Jimmy Page y John Bonham se encontraban en un estado de adicción a las drogas y el alcohol respectivamente, un hecho que hace In Through the Out Door (álbum) el único álbum de Led Zeppelin que contiene los primeros y únicos temas de la banda en los que no figura Page como autor.

En la gira de Led Zeppelin en 1979 se vio por primera vez a unos Zepp no tan concentrados en la improvisación (era un rasgo bastante característico de su compenetración como banda en directo), y más centrados en las canciones en sí. La banda había llegado a un estado de madurez, tanto a nivel compositivo como a nivel personal, habiendo apartado ya la mayoría de sus excesos, reemplazándolos por profesionalidad. Por aquel entonces eran de las únicas bandas capaces de llenar un estadio frente al fracaso comercial de las bandas punk rock surgidas entonces.

Con la llegada de 1980 Led Zeppelin vuelve a las grandes giras europeas, anuncian una nueva gran gira por Norteamérica ese año, que por desgracia nunca puede ser realizada, ya que el día 25 de septiembre muere John Bonham en la casa de Jimmy Page en Mill Lane por una intoxicación etílica tras ingerir una gran cantidad de vodka con naranja en una fiesta. Después de este suceso se especula sobre un posible sustituto para reemplazar la batería, pero al final todos deciden que Led Zeppelin no podía seguir existiendo sin uno de sus miembros. Con Coda (album), en 1982, publicaron algún material inédito hasta entonces.

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Después de la separación
En 1982 Plant editó un álbum solista llamado Pictures at Eleven, con un estilo similar al de Zeppelin. Luego, en 1983 apareció el disco The Principle of Moments, donde se notó una influencia de Genesis, sobre todo teniendo en cuenta que el baterista de la banda era Phil Collins.

La primera aparición de Page después de Zeppelin sucedió en 1982, cuando compuso algunos temas para la película Death Wish II (protagonizada por Charles Bronson) y se editó la banda de sonido. Al mismo tiempo, se encargó de editar el disco Coda, con temas inéditos y outtakes de Led Zeppelin. En 1983 se unió a Jeff Beck y a Eric Clapton dando una serie de conciertos de donde se han editado numerosos discos.

John Paul Jones, por su parte, compuso la banda sonora de la película Scream For Help (1984), del mismo director de Death Wish II, trabajó con Diamanda Galas y realizó producciones artísticas esporádicas antes de sacar sus actuales discos solistas instrumentales.

En 1984, Page y Plant volvieron a unirse y formaron The Honeydrippers junto a artistas de la talla de Jeff Beck y Paul Shaffer. Su disco se llamó The Honeydrippers Vol. 1 y su tema Sea of Love trepó al tercer puesto en los charts norteamericanos, mejor incluso, que su famoso tema Whole Lotta Love. Realizaron una gira, donde tocaron en Saturday Night Live; y después de eso Page decidió tomar otros rumbos, por lo que la banda se disolvió.

Con motivo del concierto benéfico Live Aid, Page, Plant y Jones se reunirían en 1985 para tocar en directo los temas Rock'n'roll, Whole Lotta Love y Stairway to heaven en el estadio "John F. Kennedy" de Filadelfia. En la batería estuvieron Phil Collins y Tony Thompson.

En 1988, y con motivo del 25 aniversario de Atlantic Records, el grupo vuelve a unirse para un concierto de conmemoración, ocupando el puesto de John Bonham su hijo Jason.

Page formó The Firm y más tardé publicó algunos discos en solitario. Jones ha continuado su carrera como arreglista y productor y Plant ha sacado algún disco en solitario con colaboraciones de Page. En 1994 Page y Plant grabaron el especial Unledded para la MTV al que siguieron los discos No Quarter y Walking into Clarksdale.

Temas como Heartbreaker, Whole Lotta Love, No Quarter, Dazed And Confused entre otros muchos son una muestra de las cualidades de sus intérpretes, pero Stairway To Heaven es la que más repercusión tuvo a lo largo de la historia; ofrece un cúmulo de sonidos y emociones, desde su inicio hasta el solo de guitarra interpretado por Jimmy Page, calificado por muchos como "el mejor solo de guitarra de la historia".

Led Zeppelin es la banda con más discos de diamante de la historia de la música, junto a The Beatles. Los discos con esta certificación son: Box Set (10 millones), II (12 millones), IV (22 millones), Houses of the Holy (11 millones) y Physical Gafitti (15 millones).

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Un Grupo Para Recordar
El éxito que Led Zeppelin tuvo a lo largo de su vida como tal (1969-1980) fue enorme. La combinación de personalidades dio como resultado un grupo excepcional:

uno de los bateristas más personales de su época (John Bonham).
con uno de los músicos más completos de Inglaterra, que tocaba el bajo, la guitarra, la mandolina, el piano, los teclados y la flauta (John Paul Jones).
un cantante nuevo y poseedor de un estilo sorprendente (Robert Plant).
y un guitarrista que había participado como sesionista en cientos de grabaciones y es considerado uno de los guitarristas de rock más inspirados que existieron, (Jimmy Page).
Su forma de ser, cierto misterioso retraimiento y algunos comentados caprichos personales conformaron a la larga una eficaz estrategia publicitaria. Ellos jamás se basaron en una imagen en particular, no salían en televisión porque la calidad de audio que proporcionaba la TV dejaba mucho que desear y sobre todo Page era muy exigente en ese aspecto (por eso es que existen tan pocas grabaciones en video, de hecho pueden reunirse todas actualmente en apenas un par de dvd’s), además de que los programas de televisión que transmitían Rock se pasaban en horas de muy poca audiencia. En la radio de Inglaterra sucedía lo mismo, y fue por tal razón que Led Zeppelin jamás sacó un single en Inglaterra. Prefirieron sacar álbumes completos para evitar que se los reconociera por tal o cual canción en lugar de una producción artísticamente más acabada.

El arte de las portadas de sus discos eran por demás desconcertantes y originales. El cuarto álbum, por ejemplo, no llevaba título, ni siquiera el nombre del grupo; tal es así que hoy se le llama de muchas formas (Led Zeppelin IV, ZOSO, Four Simbols, "el de las runas", etc.) pero no hay una oficial. Evidentemente, el truco no representó obstáculo para las ventas, que en la actualidad sobrepasan los 40 millones de copias en el mundo.

Otra característica fue que no se llevaban bien con la prensa, solían considerarla amarillista y conservadora, y es por tal razón que las entrevistas realizadas a Led Zeppelin en su época de oro fueron escasas.

Discografía
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Álbumes de estudio
Led Zeppelin (1969)
Led Zeppelin II (1969)
Led Zeppelin III (1970)
Led Zeppelin IV (1971)
Houses of the Holy (álbum) (1973)
Physical Graffiti (álbum) (1975) - 2CD
Presence (álbum) (1976)
In Through the Out Door (álbum) (1979)

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AC/DC

AC/DC es una banda de hard rock formada en Sydney (Australia), en 1973 por el guitarrista Malcolm Young y su hermano, Angus Young. Sus álbumes han sido vendidos en numerosos países, con un total estimado de 150 millones de copias, con el álbum Back in Black vendiendo más de 21 millones en Estados Unidos y 42 millones en todo el mundo, haciéndolo el segundo álbum más vendido de la historia [1].
Aunque en la época inicial, la banda tuvo a Dave Evans como el cantante, sus fanáticos tienden a dividir la historia de AC/DC en dos etapas: la de Bon Scott (1974-1979) y la de Brian Johnson (1980-actualidad). Algunos fans tienen una preferencia, otros valoran por igual los méritos de ambos cantantes.

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La etapa con Bon Scott
El núcleo de la banda se formó básicamente por los hermanos Young, dos jóvenes australianos de origen escocés que decidieron crear una banda de rock and roll. Gracias a su hermano mayor George Young, que alcanzó la fama con su grupo pop The Easybeats en los 60', Malcolm y Angus pudieron introducirse en la música. Después de que desapareciera su grupo "The Velvet Underground" (nada que ver con Lou Reed), Malcolm formó en 1973 AC/DC en Sydney. Angus sólo tenía 15 años en esa época y su hermana Margaret le sugirió que saliera al escenario disfrazado de colegial, ya que al salir de la escuela no tenía tiempo de cambiarse la ropa. También le sugirió el nombre de la banda, AC/DC, que vio escrito en el enchufe de una aspiradora.

Tras diversas variaciones, la formación quedó formada por Angus y Malcolm Young a las guitarras, Mark Evans (sustituido posteriormente por Cliff Williams) al bajo, Phil Rudd a la batería y Bon Scott a la voz reemplazando a Dave Evans. Scott había formado parte de otros grupos, como Fraternity y The Valentines. Más importante, ayudó a fomentar la imagen violenta del grupo. Tenía varios delitos menores y fue rechazado del ejército por estar desadaptado socialmente. Y AC/DC estaba desadaptada socialmente. Durante su carrera combinaron la agresividad y la imaginería violenta, todo ello salpicado de un peculiar sentido del humor.

El grupo realizó en Australia dos discos: High Voltage y TNT, en 1974 y 1975. El material de ambos discos sirvió para elaborar el High Voltage en Estados Unidos y en el Reino Unido. Dirty Deeds Done Dirt Cheap apareció al año siguiente y en otoño de 1977 AC/DC lanzó Let There Be Rock. Al año siguiente se incorporó Cliff Williams con Powerage (1978). Todos estos álbumes fueron producidos por Vanda y George Young. El ambiente de sus conciertos fue captado en "If you want blood, you've got it". AC/DC se fue de gira con artistas como Alice Cooper, Rush, Aerosmith, Ted Nugent, Boston, Black Sabbath, Cheap Trick, Heart, Scorpions, Molly Hatchet, Ronnie Montrose, Nazareth, UFO, Journey, Foreigner, Van Halen, Styx, Blue Öyster Cult, Alvin Lee, Rainbow, Savoy Brown, REO Speedwagon, The Doobie Brothers, Thin Lizzy o The Who.

Lo que realmente les abrió las puertas del éxito fue Highway To Hell (1979), pruducido por Mutt Lange, para muchos el mejor álbum de los australianos y que alzanzó el puesto 17 en las listas americanas y el 8 en las británicas, convirtiéndose en su primer trabajo en conseguir un millón de copias vendidas. Este álbum figura en la lista de los 200 álbumes indispensables elaborada por la revista Rolling Stone. El tema principal del LP, la canción "Highway to Hell", se acabaría convirtiendo para muchos en todo un himno del Rock and Roll de finales de los 70.

Cuando todo parecía ir muy bien (AC/DC tenían éxito en ventas en Europa y los Estados Unidos) la desgracia cayó sobre el grupo una noche londinense el 19 de febrero de 1980 en que perdieron a su vocalista. La causa de la defunción de Scott fue de ahogamiento en su propio vómito a consecuencia de una intoxicación etílica. Algunos dicen que se ahogó cuando estaba parado en un semáforo mientras circulaba con su auto por vía pública, pero no hay muchos datos sobre este hecho.

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La etapa con Brian Johnson
Tras la muerte de Bon Scott la banda se plantea su continuidad pero finalmente reclutaron a Brian Johnson. El inglés provenía de la popular banda británica Geordie y se dice que era el vocalista preferido de Scott. Johnson se encontraba sin grupo y meditaba si continuar en el mundo musical.

Sin embargo, aceptó el reto y entró con el resto de compañeros a grabar lo que sería uno de los discos de los años 1980: "Back In Black", disco dedicado a Bon Scott y también bajo la producción de Mutt Lange. Las cifras alcanzadas por este álbum son notables: en Estados Unidos, encabezó la lista de ventas durante 5 semanas, manteniéndose durante otras 20 en el Top 10, y estando en total 131 en el Top 40. Transcurrido un año, había rebasado los 5 millones de ventas en este país, y hasta la fecha la RIAA certifica 19 álbumes de platino para Back in Black, lo que se traduce en más de 19 millones de copias vendidas en EEUU. A nivel mundial, las ventas de este LP se estiman superiores a los 40 millones de copias. Por todo ello figura en la cuarta posición de la lista de los LPs más vendidos de la historia.

El éxito del Back in Black disparó las ventas de todos sus álbumes anteriores, desatando una "fiebre" por AC/DC. Aprovechando el boom, el disco "Dirty Deeds Done Dirt Cheap" fue relanzado en marzo de 1981 en EEUU (donde no había sido publicado en 1976, como se hizo en Australia y Gran Bretaña), permaneciendo 55 semanas en la lista de los 40 más vendidos, y obteniendo en 2001 su sexto disco de platino. Asimismo, todos los álbumes anteriores de la banda habían superado el millón de copias en julio del mismo año. En noviembre de 1981, salió a la calle For Those About To Rock: We Salute You, producido al igual que los dos álbumes anteriores por Mutt Langue. Recibió una buena acogida entre los fans, pero no así entre la crítica. Obtuvo también buenas cifras de ventas, con 1 millón de copias vendidas en su primera semana, y en 2001 confirmó su cuarto álbum de platino en EEUU.

En mayo de 1983, Phil Rudd (batería) fue sustituido por Simon Wright. Los motivos por los que Phil dejó AC/DC no se aclararon del todo, rumoreándose que había tenido una pelea con Malcolm a causa de sus problemas con el alcohol. Tras este relevo, en agosto vería la luz un nuevo LP: "Flick of the Switch". Sería el primer disco producido por Angus y Malcolm. Este álbum hizo decaer el status comercial del grupo de manera muy notable. En octubre de 1984 editarían "'74 Jailbreak" un mini-LP con varias canciones inéditas y que conmemoraba los 10 años de existencia de la banda. En junio de 1985 aparece "Fly On the Wall" , considerado por algunos como el peor disco de AC/DC, también producido por los hermanos Young.

En mayo de 1986 se publica "Who Made Who", primer recopilatorio de AC/DC especialmente realizado para la película de Stephen King "Maximum Overdrive", y que obtuvo unas ventas razonablemente buenas. En enero de 1988 volverían a la carga con "Blow Up Your Video", producido por Vanda y George Young. El disco no obtuvo el éxito de principios de los 80. Durante el tour de 1988, por causas personales, Malcolm Young es sustituido por su sobrino Stevie Young (Stevie solo sustituiría a Malcolm durante esta gira). En noviembre de 1989 Simon Wright abandona el grupo y es sustituido por Chrish Slade.

Con The Razor's Edge (1990), producido por Bruce Fairbairn volvieron, casi 10 años después, a todo lo alto de las listas de ventas (77 semanas en la lista de los 40 de EEUU y 4 millones de copias vendidas hasta la actualidad) lanzandos por el éxito "Thunderstruck".

Angus Young y Campino, cantante de la banda de punk rock Die Toten Hosen, en 2001.En verano de 1994 vuelve Phil Rudd a la batería, y en otoño de 1995 lanzaron Ballbreaker, producido por Rick Rubin, entró en las listas en el número 4 y vendió un millón de copias en los primeros seis meses. "Stiff Upper Lip" le siguió a principios de 2000, álbum con el que volvieron a los sonidos que más les influenciaron durante su juventud. Actualmente están a punto de publicar un nuevo álbum de estudio.

Desde el 22 de marzo del 2000, AC/DC tiene una calle en Leganés (Madrid) llamada "Calle de AC/DC", a cuya inauguración asistieron Malcolm y Angus con gran expectación de público y fans. El mismo día de la inauguración la placa fue robada y repuesta a las dos horas. Tres días después fue de nuevo robada y actualmente es incontable el número de veces que ha sido sustraída. Ante esta situación el Ayuntamiento de Leganés decidió sacar a la venta dichas placas para satisfacer las ansias de los fans. Esta anécdota fue expuesta en la película española "ISI/DISI, Amor a lo bestia" dirigida por Chema de la Peña y protagonizada por Santiago Segura y Florentino Fernández.

En octubre de 2004 la ciudad de Melbourne también hizo honor a la banda con una calle, la "ACDC Lane", al aprobar el Ayuntamiento la sustitución del nombre anterior: "Corporation Lane". Inscribieron "ACDC" porque la normativa de la ciudad no permite usar determinados símbolos como la barra / en los nombres de sus calles.

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Discografía
1974 High Voltage (Versión australiana)
1975 T.N.T. (Versión australiana)
1976 High Voltage
1976 Dirty Deeds Done Dirt Cheap
1977 Let There Be Rock
1978 Powerage
1978 If You Want Blood You've Got It
1979 Highway to Hell
1980 Back In Black
1981 For Those About to Rock We Salute You
1983 Flick of the Switch
1984 Jailbreak
1985 Fly on the Wall
1986 Who Made Who
1988 Blow Up Your Video
1990 The Razor's Edge
1992 Live!
1992 Live! Two CD Collector's Edition
1995 Ballbreaker
1997 Volts
1997 Live from the Atlantic Studios
1997 Let There be Rock: The Movie, Live in Paris
2000 Stiff Upper Lip

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Pink Floyd

Pink Floyd

grupo Británico de música rock que ha trabajado los subgéneros de rock progresivo, rock psicodélico, sinfónico, ácido, conceptual y espacial. Fueron de los primeros en producir videos y películas musicales a partir de sus trabajos. En los años 1970 fueron el grupo que más discos vendió en todo el mundo y fueron pioneros en el terreno del sonido psicodélico.

Pink Floyd nació un día 5 de junio de 1964 a partir de una banda anterior que utilizó distintos nombres, (Sigma 6, T-Set, Megadeaths, The Screaming Abdabs, The Architectural Abdabs y The Abdabs), llegando a denominarse The Pink Floyd Sound, para quedarse posteriormente en The Pink Floyd y finalmente sólo Pink Floyd al publicar su primer disco en 1967. El nombre proviene de dos músicos de blues, Pink Anderson y Floyd Council.

Los componentes originales de Pink Floyd fueron: Bob Klose (guitarra solista), Syd Barrett (voces, guitarra rítmica), Richard Wright (voces, teclados), Roger Waters (voces, bajo) y Nick Mason (batería). Syd Barrett dominaba la composición influido por el rock psicodélico y el rock surf, lo que propició la salida de Bob Klose, (más cercano al jazz), y dejando un cuarteto más estable.

En 1968, Syd Barrett, cuya salud mental se había deteriorado, debido a sus experimentaciones con diversas drogas pesadas, incluido el LSD, comenzó a hacerse cada vez más impredecible y los espectáculos del grupo fueron resintiéndose cada vez más, por tal motivo, el grupo llamó a David Gilmour para asistir a Barrett en la guitarra y voces cuando éste sufriera alguno de sus bloqueos mentales. Sin embargo, esta solución no resultó práctica y los demás simplemente dejaron de llevarlo a los conciertos. Barrett había compuesto la mayor parte del primer álbum del grupo The Piper at the Gates of Dawn (1967) y una pequeña parte del segundo álbum A Saucerful of Secrets (1968). Poco a poco la figura de Barrett se hizo cada vez más ausente, hasta que finalmente dejó de participar en los trabajos con el grupo. Los demás componentes siempre lo recordarían con afecto y llegarían a dedicarle canciones como "Wish You Were Here" y "Shine on you crazy diamond". De esta forma empezaron a componer y liderar el grupo Gilmour y Waters. Finalmente, Barret falleció el 7 de julio de 2006.

Después de la banda sonora de la película More (1968), su siguiente disco fue el doble Ummagumma (grabado entre Birmingham y Manchester en 1969), una mezcla de temas en directos por una parte y experimentos de estudio por la otra en la cual cada tema fue compuesto por cada uno de los miembros de la banda, cuyos temas ocupaban la mitad de una cara (unos 10 minutos cada uno).

En 1970 lanzaron Atom Heart Mother, (número uno en Reino Unido), en cuya orquestación colaboró Ron Geesin; era un trabajo que sin embargo pareció no satisfacer mucho al grupo. Más acertados se sintieron con Meddle (1971), que incluye "Echoes" de 23 minutos, y la leyenda de haber sido compuesta también con la intención de ser el soundtrack paralelo del "Tercer Acto: Misión a Júpiter" de la película 2001: Una odisea del espacio. El estilo pop-jazz de "San Tropez", la atmosférica "One of These Days", una obra clásica con una voz distorsionada que amenaza con "cortarte en trocitos uno de estos días" y "Seamus", en la que dan rienda suelta a su gusto por la experimentación están también incluidos en el disco. Un álbum menos conocido, Obscured By Clouds, salió en 1972 como la banda sonora de la película La Vallee.

A pesar de que Pink Floyd editó pocos singles, como Arnold Layne y See Emily play, cuando produjo el exitoso álbum Dark Side of the Moon, el tema "Money" fue número uno en los Estados Unidos, el disco estuvo alrededor de 14 años en la lista de los 100 principales, rompió varios records y es uno de los más vendidos de todos los tiempos. Dark Side of the Moon es una obra conceptual en la que se mezclan referencias a la neurosis, la locura y la fama, y técnicamente fue una innovación al utilizar un nuevo equipo de 16 pistas en los estudios de Abbey Road con el ingeniero de sonido Alan Parsons a los mandos de la edición, constituyendo un nuevo estándar en la alta fidelidad. El álbum también es fuente de una leyenda urbana que dice que fue concebida como banda sonora alternativa de la película El Mago de Oz de 1939, versión que fue desmentida por el grupo.

Dark Side of the Moon junto con los tres siguientes discos, Wish You Were Here, Animals y The Wall se suelen considerar como la cumbre de la carrera de Pink Floyd.

Wish You Were Here se publicó en 1975 como un tributo a Syd Barrett que contiene letras explícitas sobre su proceso y separación. En el álbum destacan el tema "Shine On You Crazy Diamond", básicamente instrumental y que recibió los elogios de la crítica, y "Wish You Were Here", que dio título al trabajo.

Por 1977, cuando se publicó Animals, Pink Floyd comenzó a recibir críticas por ser excesivamente pretenciosos y flojear en la composición, perdiendo la senda de la simplicidad del rock and roll anterior. Animals contiene largas canciones asociadas a un tema, tomado en parte de la novela Rebelión en la granja (Animal Farm) de George Orwell, que utiliza cerdos, perros y ovejas como metáfora de la sociedad contemporánea, estando más presente en la instrumentación la guitarra que en sus otros trabajos.

En 1979 se publica la opera rock The Wall, concebida principalmente por Roger Waters, que devolvió a Pink Floyd a las listas de éxitos y que actualmente es el tercer disco más vendido en la historia. Entre otros, el tema "Another Brick in the Wall, Part II", una crítica a la educación infantil, fue número uno y se convirtió casi en himno contra el sistema educativo (principalmente al sistema educativo inglés). Otro tema, "Comfortably Numb", que nunca se editó como single, se convirtió en pieza fundamental de todas las listas y hoy en día es una de las canciones más conocidas del grupo, teniendo como curiosidad que es la única canción de sus últimos cuatro discos en la que no hay continuidad con la canción anterior ni siguiente. Con The Wall el grupo hizo una gira mundial con un colosal montaje que incluía la construcción de un muro gigante que iba ocultando el escenario y que finalmente era destruido, todo ello siguiendo la historia de esta obra conceptual. El álbum fue coproducido por Bob Ezrin, quien fue llamado para servir como mediador entre Gilmour y Waters, debido a las continuas discusiones que se producían entre ambos. Ezrin había producidos discos para Alice Cooper y el grupo KISS. Además de como productor, Ezrin participó en la composición del tema "The Trial".

El carísimo montaje de The Wall generó grandes pérdidas económicas y fue una piedra más en los engranajes de la banda, unido a que se hizo patente el liderazgo de Roger Waters, creando frecuentes conflictos con los otros miembros del grupo y llegando a provocar la salida de Richard Wright, que volvió a participar en algunos conciertos de la gira pero ya contratado por un salario fijo, (irónicamente esto permitió que Wright fuera el único que ganara algo de dinero).

The Wall es una obra conceptual, una opera rock con una historia completa pensada para ser llevada al cine, aunque hasta 1982 no vio la luz la película Pink Floyd: The Wall, adaptada por el propio Roger Waters, dirigida por Alan Parker y protagonizada por Bob Geldof, el líder del grupo Boomtown Rats. La película contiene notables escenas de animación realizadas por Gerald Scarfe, colaborador desde hacía tiempo de los Pink Floyd, y que siguieron la misma línea de sus diseños para la carpeta del doble álbum de 1979. En la película se incluyeron temas que no figuran en el álbum original y que completan la historia, y lamentablemente excluyeron "Hey You", una pieza magnífica.

En 1983 vio la luz The Final Cut (literalmente el último corte, que anunciaba su último trabajo juntos), que retomaba trabajos no incluidos en The Wall y que mantenía su misma atmósfera, algo más oscura quizás. También significó la aparición de canciones relacionadas con temas de actualidad, algo impuesto por Roger Waters y que ha seguido haciendo en su carrera en solitario, como el corte "The Fletcher Memorial Home" en el que se refleja la rabia de Waters en relación a la intervención británica en la Guerra de las Malvinas. Algo más habitual en el grupo como la crítica social, pero orientado a otra de las fobias de Waters a partir de aquí, es el tema "Two Suns in the Sunset" sobre el cinismo y el miedo de la guerra nuclear. Aunque el álbum fue publicado por Pink Floyd como grupo, parece claro que ya respondía al proyecto personal de Waters y es clara la continuidad sonora, estética y temática con su posterior carrera en solitario. Quizás salvo por la estela de éxito de The Wall y la emoción de los seguidores del grupo ante su disolución, el tema "Not Now John" apareció durante algún tiempo en las listas de éxitos.

Después de The Final Cut, los componentes del grupo separaron sus carreras y comenzó una batalla legal por los derechos del nombre de la banda, fundamentalmente entre Roger Waters y David Gilmour, ya que mientras el primero deseaba su desaparición definitiva "para dejar con honra al mítico grupo", el segundo quería continuar el trabajo con el resto de miembros. Roger Waters abandonó formalmente Pink Floyd en 1985 con el fin de apoyar su postura legal respecto a la existencia del grupo. Finalmente David Gilmour y Nick Mason consiguieron los derechos sobre el nombre Pink Floyd, aunque Roger Waters mantuvo sus derechos sobre gran parte de la obra anterior del grupo, especialmente sobre el concepto teatral de The Wall.

Así, en 1987 Pink Floyd publica el álbum A Momentary Lapse of Reason sin Roger Waters, en el que también participó Richard Wright como músico de sesión.

En 1994 se publicó The Division Bell, en el que Richard Wright volvió a figurar como miembro de Pink Floyd. Pink Floyd no ha vuelto a publicar nuevo material desde entonces y aunque no están oficialmente disueltos, no hay ningún signo sobre nuevos trabajos.

En el año (2000) se publicó el concierto de las giras 1980 i 1981 del The Wall bajo el título The Wall Live: Is there anybody outhere? siendo la compilación de las grabaciones realizadas en los cinco conciertos que componian esta gira ofrecida por el grupo. Se han publicado numerosas recopilaciones de la obra de Pink Floyd, de las cuales la última Echoes (2001) ha causado bastante controversia, ya que muchos temas se han ensamblado con continuidad pero en distinto orden que en sus discos originales, mientras que de otros temas como "Shine On You Crazy Diamond" y "Marooned" se han eliminado partes completas. En el 2003 se lanzó el álbum commorativo de los 30 años del Dark Side of the Moon el cual es el primero de los discos de la banda en ser publicado en el formato SACD (Super audio CD)

El 2 de julio del año 2005, luego de una larga historia de peleas y demandas, Roger Waters se reunió con sus antiguos compañeros para una presentación de solo 4 temas en el concierto de Live 8, El histórico concierto fue la primera presentación de Roger Waters con la banda luego de 24 años de separación, para el grupo también fue su primer concierto juntos luego de 11 años de inactividad. Videos de este concierto pueden ser vistos en la página de AOL (aquí). La BBC condujo una encuesta en la cual Pink Floyd resultó ganador como Mejor Espectáculo del Live8 y las ventas de sus discos se elevaron en casi un mil por ciento, David Gilmour donó el excedente de las ganancias declarando que "no sería ético hacer dinero por un evento cuyos principios son la caridad y la solidaridad..."., En septiembre y a tan sólo unos meses del evento, fue publicada la opera tan esperada por sus fans "Ça Ira" de Roger Waters.

El 7 de julio del año 2006, Syd Barrett fue encontrado muerto en Cambridge, donde estaba internado.

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Carreras en solitario
Todos los miembros de Pink Floyd han publicado discos en solitario con diverso grado de éxito comercial y de crítica, destacando los álbums The Pros and Cons of Hitch Hiking con Eric Clapton como guitarra principal y Amused To Death ambos de Roger Waters. También fue un hito musical la recreación que hizo Roger Waters del espectáculo The Wall, (Berlín 1990), junto a varios colaboradores , entre ellos destacan Bryan Adams, Paul Carrack, Cyndi Lauper, Van Morrisson, Sinead O'Connor y Scorpions además de La Rundfunk Coros & Orquestra del Este de Berlín y la banda Militar de las Fuerzas Sovieticas en Alemania. Concierto único con una espectacular puesta en escena delante de más de 300.000 personas donde un año antes se levantaba el Muro de Berlín, esta vez levantando entre público y artistas el aclamado The Wall de proporciones enormes, superando las giras de 1980-1981 con Pink Floyd y suponiendo la mas impresionante puesta en escena de esta gran Opera Rock. Después de años de retraso, Roger Waters finalmente publicó el 25 de septiembre la Opera "Ça Ira"[2] (2005).

Nick Mason sólo ha lanzado un álbum llamado Profiles y la banda sonora del documental La Carrera Panamericana.

Richard Wright ha publicado tres obras en solitario: Wet Dream (1978), Identity (1984) y su último trabajo Broken China lanzado en 1996.

David Gilmour[3] ha lanzado varios álbumes, siendo el más popular el primero de ellos titulado Dave Gilmour (1978). Luego de la partida de Roger Waters lanzó un álbum llamado About Face (1984) que también fue lanzado en video y destaca en su trayectoria un DVD llamado David Gilmour In Concert (2002) el cual es conocido por muchos como el "Pink Floyd acústico". En 6 de marzo de 2006, día de su cumpleaños número 60, lanzó su tercer trabajo en solitario llamado On An Island, el cual cuenta con numerosos e importantes invitados; incluso el mismo Richard Wright toca los teclados. Desde este mismo mes David Gilmour se embarcó en una gira de presentación de su última obra por Europa y EEUU; en sus primeras presentaciones ha sorprendido a los fanáticos con interpretaciones de temas clásicos como "Arnold Layne", "Echoes", y "Wot's... Uh The Deal".

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Discografía
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Álbumes
The Piper at the Gates of Dawn (1967)
A Saucerful of Secrets (1968)
Ummagumma (1969, directo y estudio)
Atom Heart Mother (1970)
Meddle (1971)
Obscured By Clouds (1972)
Dark Side of the Moon (1973)
Wish You Were Here (1975)
Animals (1977)
The Wall (1979)
The Final Cut (1983)
A Momentary Lapse of Reason (1987)
The Division Bell (1994)

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Nirvana...

Nirvana fue un célebre grupo estadounidense de grunge, procedente de Aberdeen, Washington. Kurt Cobain escribió en sus diarios "Nirvana significa Libertad desde el dolor y el sufrimiento en el mundo exterior. Esa es mi definicion del punk rock". Con el éxito del sencillo "Smells Like Teen Spirit", del álbum Nevermind, Nirvana escaló los listados de música en todo el mundo e inició la explosión de lo que hasta ese momento era punk underground y rock alternativo en la escena musical mundial, en un movimiento al que los medios de la época se referirían como "grunge". Otras bandas de la escena musical de Seattle como Alice in Chains, Pearl Jam y Soundgarden también obtuvieron popularidad y, como resultado, el rock alternativo se convirtió en un género dominante en la radio y la televisión musical durante la primera mitad de los años 90s.

Como líder de la banda, Kurt Cobain se encontró a sí mismo referido en los medios de comunicación como "el vocero de una generación", y a Nirvana como la "banda símbolo" de la "Generación X" [1]. Cobain se sentía incómodo con la atención que se les brindaba y decidió enfocar la atención del público hacia la música de la banda, retando a la audiencia con su tercer álbum de estudio In Utero. Aunque la popularidad de Nirvana disminuyó en los meses siguientes a la publicación del álbum, buena parte de su audiencia alabó el interior "oscuro" de la banda, en especial después de su presentación en MTV Unplugged.

La corta carrera de Nirvana concluyó con la muerte de Cobain en 1994, pero su popularidad se creció aún más en los años posteriores. Ocho años después de la muerte de Cobain, "You Know You're Right", un demo nunca terminado que la banda había grabado poco más de dos meses antes de la muerte de Cobain, escalaba las listas de radio y música de todo el mundo. Desde su debut, la banda ha vendido más de 50 millones de álbumes a nivel mundial, incluyendo 10 millones de ejemplares de Nevermind en los Estados Unidos [2]. Su música continúa siendo emitida por estaciones de radio de todo el mundo.

Primeros Años - Primer Álbum: Bleach
Kurt Cobain y Krist Novoselic se conocieron en 1985. Ambos eran seguidores de The Melvins y frecuentemente se les veía en el local de ensayos de la banda[3]. Cobain incluso había tocado con ellos en algunas ocasiones el año anterior Después de un par de intentos fallidos de formar grupos –primero como The Sellouts, una banda de Creedence Clearwater Revival (con Cobain en batería, Novoselic en guitarra y vocales y Steve Newman en bajo) y luego como Fecal Matter (con Matt Lukin en batería)–, el dúo reclutó al baterista Aaron Burckhard, creando así la primera encarnación de lo que se convertiría posteriormente en Nirvana. En los meses iniciales, Cobain y Novoselic trabajaron con varios bateristas, entre ellos Dale Crover de The Melvins, que tocaría en sus primeras demos. Al mismo tiempo, la banda pasó por varios nombres, incluyendo Skid Row, Pen Cap Chew y Ted Ed Fred, antes de llamarse Nirvana, en febrero de 1988. Un par de meses más tarde, finalmente encontraron a un baterista "permanente", Chad Channing, por medio de un aviso colocado en un periódico de Seattle que rezaba "banda de punk rock con influencias de Aerosmith, Led Zeppelin, Black Sabbath, Black Flag, Scratch Acid y Butthole Surfers busca baterista".

En 1988 firmaron un contrato con la disquera independiente Sub Pop, por medio de la cual fue lanzado su primer álbum, Bleach. Bleach estaba influenciado principalmente por The Melvins, Mudhoney, y el rock clásico de los años 70s de Black Sabbath y Led Zeppelin. Novoselic comentó en una entrevista en 2001 con la revista Rolling Stone que habían escuchado en medio de una gira álbumes de The Smithereens y de la banda de black metal Celtic Frost, y también dijo que la combinación pudo servir como influencia [4]. Bleach se convirtió en un álbum favorito de las estaciones universitarias de radio de Estados Unidos, pero aún no ofrecía muchas pistas sobre en qué se iba a convertir la banda dos años más tarde.

Aunque no participó en el álbum, Jason Everman fue incluido en los créditos como segundo guitarrista, en agradecimiento por pagar las sesiones de grabación: una suma de 606.17 dólares. Después de la terminación del álbum, Everman permaneció brevemente en la banda como segundo guitarrista, pero salió al finalizar la primera gira por los Estados Unidos.

A comienzos de los 90, Nirvana empezó a trabajar con el productor Butch Vig para grabar el segundo álbum de estudio, titulado provisionalmente Sheep. Durante las sesiones, Kurt y Krist coincidieron en que Chad no era el baterista que necesitaban, y en un acuerdo mutuo éste dejó la banda después de finalizadas las sesiones. Después de estar unas semanas con Dale Crover, contrataron al baterista de Mudhoney Dan Peters, con quien grabarían la canción "Sliver". Posteriormente el mismo año, Buzz Osborne de The Melvins les presentó a Dave Grohl, quien buscaba un nuevo grupo debido a la ruptura de la banda de hardcore punk en la que militaba, Scream, procedente de Washington, DC.

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Camino a la fama: Nevermind
Siguiendo recomendaciones de la integrante de Sonic Youth Kim Gordon, David Geffen contrató a Nirvana para DGC Records en 1990 a un costo de 287,000 dólares (y 75,000 dólares a Sub Pop, más dos por ciento de las ganancias de los discos). La banda empezó a grabar su primer álbum con una gran compañía disquera. El resultado, Nevermind, es ahora considerado un clásico.

Para el álbum, la banda decidió continuar trabajando con Vig, pero en vez de seguir grabando en el estudio propiedad de Vig en Madison, Wisconsin, como en 1990, decidieron ir a los estudios "Sound City" en Los Ángeles. Durante dos meses, trabajaron en gran variedad de canciones. Algunas de ellas, incluyendo "In Bloom" y "Breed" llevaban ya tiempo en su repertorio, mientras que canciones como "On a Plain" y "Stay Away" no estaban todavía terminadas, y hubo que escribir sus letras en medio del proceso de grabación.

Después de que se completaran las sesiones de grabación, Vig y la banda aguardaron el resultado de las mezclas. No quedaron sin embargo satisfechos con los primeros resultados, por lo que decidieron buscar a alguien para que mejorara las mezclas. Pidieron a Gary Gersh, de Geffen, que les diera una lista de posibles seleccionados. La lista contenía varios nombres familiares, como Scott Litt (conocido por trabajar con R.E.M.) y Ed Stasium (conocido por su trabajo con The Smithereens). Sin embargo, Cobain temía que trabajar con productores conocidos hiciese que el álbum sonara como la música de esas bandas. Decidió escoger al último nombre de la lista, junto al nombre 'Slayer': Andy Wallace. (Wallace co-produjo el álbum de Slayer Seasons in the Abyss).

Wallace llevó al álbum a una altura completamente diferente, añadiendo capas de reverberación y "trucos" de estudio para que no fuera tan "oscuro". Pocos meses después del lanzamiento del álbum, Cobain se quejó en la prensa, alegando que Wallace había hecho el sonido de Nevermind demasiado "ligero", olvidando que la banda había escogido a Wallace y que había participado en el proceso de grabación y mezcla [5]. Aunque la banda estuviera decepcionada con el sonido del álbum, Wallace había hecho "desaparecer" con éxito sus raíces indie y creado un rock "amigable" a listas y radio que otros intentarían imitar durante la siguiente década.

Inicialmente, la expectativa de ventas para Nevermind no superaba las 500,000 copias. Sin embargo, el álbum recibió certificación de triple platino en los Estados Unidos en menos de seis meses. "Smells Like Teen Spirit" recibió alta rotación en MTV y llegó al lugar número 6 en el Top 100 de la revista Billboard, inspirando a un puñado de imitadores y llevando al sonido grunge y alternativo a los listados. La popularidad del rock alternativo, así como el fin de la era del hair metal, son atribuidos a Nevermind. El 11 de enero de 1992, con 12 millones de copias vendidas, el álbum alcanzó la cima del listado de álbumes de Billboard, quitando del primer lugar a Dangerous de Michael Jackson[6], un hecho considerado símbolo de la subida de la música alternativa sobre el pop. Además, la llegada de Nevermind ayudó a la entrada a las listas de varios álbumes de grunge como "Ten" de Pearl Jam y "Badmotorfinger" de Soundgarden[7]. Alegando cansancio (en buena parte por algunos problemas de voz que Cobain sufrió), y después de un corto tour junto a Pearl Jam y Red Hot Chili Peppers por la costa este estadounidense, y de uno por Australia y Japón, la banda decidió no embarcarse en una gira en la primavera de 1992 por Estados Unidos para promocionar Nevermind (pese a hacer presentaciones promocionales en el popular programa Saturday Night Live y en MTV)[8], optando por hacer varias presentaciones posteriormente ese mismo año.

En febrero del 92, al finalizar el tour por el Pacífico, Cobain se casó con Courtney Love en Hawaii. En agosto, Love dio a luz a una hija, Frances Bean. Días después del nacimiento, Nirvana tocó uno de sus conciertos más conocidos, como uno de los actos centrales del Festival de Reading en Inglaterra. Cobain entró al escenario en una silla de ruedas y con una peluca, parodiando los rumores sobre su estado mental, luego se paró y se unió a Novoselic y Grohl, tocando uno de los conciertos más variados de la banda, añadiendo a la lista canciones que aún no habían sido lanzadas y versiones de 'The Money Will Roll Right In' de Fang, 'D-7' de The Wipers, las vocales de "More than a Feeling" de Boston (que inspiró el riff de 'Teen Spirit') y una versión estilo Jimi Hendrix de The Star-Spangled Banner[9][10]. En medio del concierto, Cobain relató al público sobre el reciente nacimiento de su hija, y logró que la gente gritara "¡Te amamos, Courtney!" al unísono. Grohl confesó en el 2005 en el programa radial Loveline que la banda creía que el concierto sería un completo desastre, dado todo lo que había pasado en los meses anteriores y que no habían ensayado desde junio. Sin embargo, la presentación terminó siendo una de las más memorables de sus carreras.

No poco más de un par de semanas más tarde, Nirvana hizo otra presentación memorable en los MTV Music Awards de 1992. Cobain creyó que con el éxito, la cadena musical le permitiría tocar su nueva canción, "Rape Me". Los ejecutivos de MTV, que preferían el éxito "Smells Like Teen Spirit", estaban aterrorizados, pensando que era una canción en contra de ellos (debido a que "Rape" no sólo significa "violar" en inglés, también significa "esclavizar"), y dejaron que la banda tocara su sencillo "Lithium". Al comienzo de la presentación, Cobain tocó y cantó las primeras notas de "Rape Me", lo cual le dio un buen susto a MTV, que terminó cuando la banda comenzó a tocar "Lithium". Cuando entraban a la parte final de la canción, Novoselic estaba frustrado porque el amplificador de su bajo dejó de funcionar y para dar un "aire dramático" lo lanzó al aire. Para su infortunio, el bajo cayó en su frente y lo dejó dolorido. Cuando terminó la canción y mientras Cobain estaba haciendo la "clásica" destrucción de los intrumentos que se hacía al final de casi cada presentación, Grohl se acercó al micrófono y empezó a gritar "¡Hi, Axl!", refiriéndose al vocalista de Guns N' Roses Axl Rose, con el cual la banda y Courtney habían tenido un altercado previo a la presentación de la banda [11].

En diciembre de ese mismo año lanzan Incesticide, una colección de lados b y rarezas. Varias de las sesiones radiales de la banda en la BBC y material temprano no lanzado empezó a circular por medio de los círculos ilegales de venta de música, entonces el álbum sirvió para frenar a los involucrados en el negocio, que incluía a seguidores que grababan conciertos sin autorización. El álbum contuvo canciones favoritas de seguidores como "Sliver", "Dive", "Been a Son" y "Aneurysm", así como algunas versiones de canciones de The Vaselines, una banda que resultó popular como resultado de las versiones que hizo Nirvana.

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Trabajo experiemental: In Utero
Para In Utero, la banda escogió trabajar con el productor Steve Albini, conocido por su trabajo en Surfer Rosa de Pixies. Las sesiones con Albini fueron productivas y notablemente rápidas: la versión inicial del álbum fue grabada y mezclada en 2 semanas, lejos de los meses de la grabación y mezcla de Nevermind. La grabación se hizo en los estudios "Pachyderm", en Minnesota.

Usar a Albini como productor fue una jugada deliberada de parte de Nirvana para darle al álbum un sonido menos "artificial", como si la banda hubiera querido alienar o distanciarse de su nueva audiencia que le prestó poca o nula atención a las bandas alternativas, oscuras, o experimentales que Nirvana intentó apoyar (como es el caso de The Jesus Lizard). Por ejemplo, una de las canciones del álbum, llamada irónicamente "Radio Friendly Unit Shifter", mostraba prolongados periodos de ruido de retroalimentación. (En la industria musical, un álbum "amigable a la radio" ("radio friendly") es descrito como un álbum "ideal": capaz de alta rotación radial y de vender varias copias, o "unidades"). Sin embargo, Cobain insistió que el sonido de Albini era simplemente el que Nirvana quería, una grabación "natural", sin muchas capas de "trucos" de estudio.

Después de su lanzamiento, los seguidores pensaron que la banda quería esta "distorsionada obra maestra". Sin embargo, en realidad, la banda no estaba contenta con algunos aspectos de las mezclas de Albini. Específicamente, pensaron que los niveles del bajo eran muy graves[12], y Cobain sintió que "Heart-Shaped Box" y "All Apologies" no sonaban "perfectas". El productor por largo tiempo de R.E.M., Scott Litt, fue llamado para ayudar a mezclar estas dos canciones, con Cobain adicionando instrumentación y vocales. Litt también mezcló "Pennyroyal Tea", pero la versión de Albini fue usada en el álbum. (DGC planeó posteriormente lanzar la mezcla de Litt como un single)

Con In Utero, la banda también enfrentó la censura. Grandes cadenas de almacenes como Kmart y Wal-Mart se negaron a tener el álbum en sus estantes, alegando que títulos de canciones como "Rape Me" y el collage de fetos plásticos en la contraportada del álbum eran muy "controvertidos" para cadenas "orientadas a la familia". Entonces la banda aceptó cambiar el arte del álbum, lanzando una versión "limpia", que también cambiaba el nombre de "Rape Me" por "Waif Me". Sin embargo, con la excepción de la mezcla de Litt de "Pennyroyal Tea", la música incluida era idéntica al lanzamiento común. Cuando le preguntaron sobre la versión editada, Cobain dijo que muchos residentes de pequeños pueblos (en especial en el centro de los Estados Unidos) no tenían tiendas locales de música, y tenían que comprar sus álbumes en grandes cadenes de almacenes como Kmart[13].

Aunque "Heart-Shaped Box" tuvo buena recepción por parte de las emisoras alternativas y mainstream, e In Utero debutó en el número 1 en la lista de álbumes de Billboard, el álbum no gozó del mismo éxito de Nevermind. Cuando la banda se embarcó en la gira estadounidense de In Utero, la primera desde el éxito de "Smells Like Teen Spirit", regularmente tocó en auditorios a medio llenar, principalmente por la falta de gira para la promoción de Nevermind y por el nuevo y "retador" lanzamiento. (Para la gira promocional de In Utero, la banda añadió a Pat Smear de la banda de punk rock The Germs como el segundo guitarrista.)

En noviembre de 1993, la banda decide detenerse en la gira y graba una aparición en MTV Unplugged. Las sesiones revelan la profundidad de las composiciones de Cobain, que frecuentemente estaban "enterradas" bajo el "agresivo" sonido de la banda. La selección de canciones también demostró el gran interés musical de Cobain por su selección de canciones originales de David Bowie, The Vaselines, Meat Puppets (que acompañó en las tres canciones de ellos que la banda versionó), y del cantante de folk estadounidense Leadbelly. Éste se convirtió en uno de los momentos más importantes de la banda, que sería amplificada por la tragedia que se avecinaba.

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La muerte de Cobain
A comienzos de 1994, la banda de embarcó en un tour Europeo. Aunque el tour comenzó bien, las presentaciones gradualmente declinaron, con la imagen de un Cobain aburrido y distraído durante los conciertos, particularmente durante el paso por Italia. Después de la presentación en Terminal Eins en Munich, Alemania, el 1 de marzo, Cobain fue diagnosticado con bronquitis y laringitis severa. La presentación de la noche siguiente fue cancelada. En la mañana del 4 de marzo, en Roma, Cobain fue encontrado inconsciente por Courtney Love y fue llevado a un hospital. Un médico declaró en una rueda de prensa que el cantante reaccionó a una combinación de Rohypnol y alcohol. El resto del tour fue cancelado, incluyendo una visita planeada (después de 2 años sin ir) al Reino Unido.

En las semanas posteriores, la adicción a la heroína de Cobain reapareció. Una intervención fue organizada y Cobain fue convencido de entrar en rehabilitación. Después de menos de una semana en rehabilitación, Cobain escaló uno de los muros del centro de rehabilitación y voló hacia Seattle. Una semana más tarde, el viernes 8 de abril de 1994, el cuerpo sin vida de Cobain fue descubierto por un electricista en su casa de Seattle. (Más información sobre las circunstancias de la muerte de Cobain pueden ser hallados en el artículo de Kurt Cobain.)

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Después de la muerte de Cobain
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Lanzamientos

Contenido del box set With the Lights OutVarios álbumes han sido lanzados desde la muerte de Cobain. El primero salió en noviembre de 1994 con la presentación grabada un año atrás en MTV Unplugged, bajo el título de MTV Unplugged in New York. Este álbum contuvo las apariciones de los miembros de Meat Puppets, así como las versiones de canciones de Leadbelly, The Vaselines y David Bowie.

Dos semanas después del lanzamiento de Unplugged in New York, una compilación de video llamada Live! Tonight! Sold Out!!, fue lanzado. Cobain había compilado una parte significativa del video, que documentaba buena parte del tour promocional de Nevermind. Material "memorable" del video incluía un infame incidente con un guardia de seguridad en un club de Texas en Octubre de 1991, así como la versión de "Aneurysm" hecha en vestidos en el festival Hollywood Rock en Rio de Janeiro, Brasil en Enero de 1993.

La intención original era la de lanzar Unplugged in New York como disco doble, junto a un disco de material eléctrico en vivo para balancear el contenido acústico. Sin embargo, los dos miembros restantes de la banda, estaban emocionalmente afectados para compilar el álbum eléctrico, al pasar tan poco tiempo desde la muerte de Cobain [14]. El álbum, una compilación de grabaciones de conciertos de Nirvana, finalmente fue lanzado en Octubre de 1996, titulado From the Muddy Banks of the Wishkah.

En agosto de 1997, el sitio web de noticias musicales Wall of Sound reportó que Grohl y Novoselic estaban organizando un box set de rarezas de Nirvana [15]. Cuatro años más tarde, el sello discográfico de la banda anunció que el box set estaba completo y sería lanzado en septiembre para conmemorar el décimo aniversario del lanzamiento de Nevermind. Sin embargo, poco antes de la fecha de lanzamiento, Courtney Love detuvo el lanzamiento y demandó a Grohl y a Novoselic, alegando que "estaban secustrando el legado de Nirvana para sus intereses personales". Lo que siguió fue una larga batalla legal sobre quién era el dueño de la música de Nirvana que duró más de un año [16].

Buena parte de la batalla legal se centró en una canción no lanzada, "You Know You're Right", la grabación final de estudio de la banda. Grohl y Novoselic querían incluirla en el box set, intentando lanzar todas las rarezas de una vez. Love, sin embargo, alegó que la canción era más importante que una "rareza", y que debía ser incluida en una compilación de "grandes éxitos". Después de más de un año de enfrentamientos públicos y legales, las partes firmaron un acuerdo, acordando el lanzamiento inmediato del álbum de "grandes éxitos", incluyendo esta canción, bajo el título de Nirvana. A cambio, Love estuvo de acuerdo en donar demos en casete grabados por Cobain para el uso en el box set.

Los seguidores de la banda tuvieron el primer contacto con "You Know You're Right" a comienzos de 1995 cuando Love tocó una versión de la canción con su banda Hole en MTV Unplugged bajo el título de "You've Got No Right". Una versión temprana de la canción tocada por Nirvana en su concierto el 23 de octubre de 1993 en el Aragon Ballroom de Chicago salió a la luz pública en los círculos de compra y venta de casetes de Nirvana unos pocos meses después. En los años posteriores, los rumores de la existencia de una versión de estudio de la canción empezaron a circular y creció hasta alcanzar proporciones casi "míticas". Para los seguidores, la primera confirmación real de la existencia de esta versión apareció noviembre de 2001 cuando Access Hollywood difundió un clip de diez segundos como parte de una entrevista con Love. En mayo de 2002, varios clips de mayor duración aparecieron en la Internet por medio de una fuente desconocida, que anunció que planearía lanzar la canción completa. Sin embargo, la fuente declinó sus intenciones, temiendo acciones legales. Cuando la batalla legal estaba a punto de ser finalizada en septiembre de 2002, la canción completa apareció por este medio, días antes del anuncio del lanzamiento de Nirvana. Inclusive si la versión de estudio era un "borrador" con letras sin terminar, a los seguidores e inclusive a los no seguidores de la banda les gustó la canción, convirtiéndola en una de las canciones más rotadas en la radio alternativa entre 2002 y 2003.

Nirvana fue lanzado el 29 de octubre de 2002. Junto a "You Know You're Right", el álbum contuvo éxitos de sus tres álbumes de estudio, así como mezclas y grabaciones de canciones familiares. Después de su lanzamiento, varios seguidores de largo tiempo se quejaron sobre la selección de canciones, justificando que la versión alterna de "Been a Son" (del EP Blew) no era la versión preferida de la banda, y que faltaban canciones como "Sappy" (originalmente lanzada en la compilación No Alternative como "Verse Chorus Verse"), que había recibido significante rotación en los Estados Unidos después de la muerte de Cobain. Los seguidores fuera de los Estados Unidos cuestionaron la inclusión de la versión Unplugged de "All Apologies" (en vez de lanzar la versión del sencillo, incluida en In Utero) y la versión de Bleach de "About a Girl" (cuando la versión Unplugged fue un sencillo muy popular en 1994). También, con un tiempo de duración de menos de cincuenta minutos, había ciertamente suficiente espacio para incluir otros éxitos, como "Love Buzz", "Drain You", "Aneurysm", y "Where Did You Sleep Last Night?" (que sería posteriormente incluida en algunos lanzamientos no estadounidenses del álbum).

En noviembre de 2004 finalmente se lanzó el box set, titulado With the Lights Out. Éste contenía una vasta compilación de demos de Cobain, grabaciones de ensayos y rarezas, y canciones en vivo grabadas durante toda la historia de la banda. Seguidores de largo tiempo de la banda tuvieron la oportunidad de escuchar las grabaciones de demos jamás terminados como "Old Age" y "Verse Chorus Verse" (una canción diferente a "Sappy"), grabados en las sesiones de Nevermind. Otra canción notable en el box set fue un demo acústico de una canción llamada "Do Re Mi", grabada por Cobain en su habitación. La canción demostró que inclusive en sus dramáticos días finales, Kurt todavía tenía ese "don" para la melodía que había demostrado años atrás en canciones como "About a Girl".

Una compilación de "lo mejor del box set" titulada Sliver: The Best of the Box fue lanzada en otoño de 2005. El CD compiló diecinueve canciones del box set junto a tres canciones no lanzadas, incluyendo una versión de la canción "Spank Thru" del demo de 1985 Fecal Matter. De acuerdo a Rolling Stone, Frances Bean Cobain coloboró en la selección del título y de la portada [17].

En una entrevista en el 2002 con Jim DeRogatis[18], Courtney Love describió los innumerables casetes de ensayos, demos y grabaciones en la habitación que habían quedado después de la muerte de Cobain. Por ejemplo, una versión de cuatro pistas de "Do Re Mi" fue aparentemente grabada con Kurt en batería, Pat Smear en la guitarra, y Eric Erlandson en el bajo, una semana antes de su muerte. Se espera que cualquier canción de este archivo que no haya sido lanzada vea la luz algún día no muy lejano.

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Proyectos post-Nirvana

Dave Grohl, en 2005, con Foo FightersEn los años posteriores a la disolución de Nirvana, sus dos miembros sobrevivientes han estado activos. No poco después de la muerte de Cobain, Grohl grabó una serie de demos que finalmente se convirtieron en el álbum debut de los Foo Fighters. Hasta 2006, los Foo Fighters han lanzado cinco álbumes con gran éxito comercial. El lanzamiento más reciente, In Your Honor, contiene una canción llamada "Friend of a Friend", que Grohl escribió en 1990 sobre sus primeros encuentros con Cobain y Novoselic.

Además, Grohl ha participado como baterista para bandas y artistas como Tom Petty and the Heartbreakers, Mike Watt, Queens of the Stone Age, Tenacious D, Nine Inch Nails, Garbage, Cat Power y Killing Joke, además de participar como guitarrista en el álbum Heathen de David Bowie. También grabó un álbum de canciones de metal con varios de sus cantantes de metal de comienzos de los 80s favoritos bajo el nombre Probot.

Después del fin de Nirvana, Novoselic formó Sweet 75. Más recientemente, él fundó Eyes Adrift con Curt Kirkwood (ex-Meat Puppets) y Bud Gaugh (ex-Sublime). También tocó en la banda No WTO Combo con Kim Thayil de Soundgarden y Jello Biafra de Dead Kennedys, que se presentó coincidencialmente en una de las fechas en que se realizaba la reunión de la OMC de 1999. Otras participaciones de Novoselic incluyen tocar en una canción junto a Johnny Cash para el álbum tributo a Willie Nelson de 1996 "Twisted Willie", así como tocar el piano en "Against the 70s" para el álbum de Mike Watt Ball-Hog or Tugboat? (en el que también participó Grohl, y varios músicos de grunge y rock alternativo como Eddie Vedder de Pearl Jam, Flea de Red Hot Chili Peppers y Thurston Moore de Sonic Youth).

Más significativamente, Novoselic se ha convertido en un activista político, fundando el comité de acción política JAMPAC para apoyar los derechos de músicos. En 2004, él lanzó un libro titulado Of Grunge and Government: Let's Fix This Broken Democracy (Del Grunge y el gobierno: Reparemos esta democracia rota), que cubría su pasado musical y su carrera política. Durante la campaña presidencial en Estados Unidos de 2004, Grohl y Novoselic aparecieron en escena para apoyar la campaña de John Kerry.

Aunque Nirvana llegó a una repentina conclusión después de su concierto final en Munich, los miembros restantes (incluyendo a Pat Smear) ofrecieron una despedida a los seguidores de la banda. Al final de la presentación de Foo Fighters en el festival Bumbershoot de 1997 en Seattle, Grohl saltó hacia la batería, con Novoselic entrando con el bajo en mano. El trío (Grohl, Novoselic y Smear) entusiasmó al público con versiones de "Purple Rain" de Prince y "Communication Breakdown" de Led Zeppelin. La corta presentación sirvió como un agradecimiento a Seattle a todos los que apoyaron a Nirvana durante su corta pero inolvidable carrera.

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Licenciamiento
A finales de marzo de 2006, la revista Rolling Stone publicó un artículo en el cual afirmaba que Courtney Love tenía un acuerdo con Larry Mestel, ex-presidente de Virgin Records y actual jefe de Primary Wave Music Publishing, para vender el 25 por ciento del catálogo de canciones de la banda (del cual ella poseía un 98 por ciento)[19]. Love declaró, ante los temores de varios seguidores de que la música de "una banda declaradamente anticorporativa" fuera "expuesta a la sobrecomercialización", que "se mantendría el espíritu de Nirvana". Previamente se especuló que la compañía Elevation Partners, de la cual forma parte Bono, el cantante de U2, compraría parte de los derechos[20]
Año Título Sello discográfico Otra información
1989 Bleach Sub Pop Primer álbum de estudio.
1991 Nevermind DGC Records Segundo álbum de estudio.
1992 Incesticide Geffen Compilación de rarezas, lados b, versiones alternativas de canciones, y versiones de canciones originales por otros artistas.
1993 In Utero Geffen Tercer álbum de estudio.
1994 MTV Unplugged in New York Geffen Álbum acústico en vivo.
1995 Singles Geffen Box set con los singles de Nevermind e In Utero.
1996 From the Muddy Banks of the Wishkah Geffen Álbum eléctrico en vivo.
2002 Nirvana Universal También llamado como Lo Mejor de o Grandes Éxitos. Contiene la inédita "You Know You're Right".
2004 With the Lights Out Geffen Box set con 3 CDs y un DVD. Incluye rarezas y material inédito.
2005 Sliver - The Best of the Box Geffen 19 canciones de With The Lights Out, junto a 3 canciones inéditas.

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